Proyecto Lado B

A HELL ROAD MOVIE: THE ROAD, 2009

2010-10-31T17:07:00.000-07:00

Miedo. La base del comportamiento humano. Miedo a morir, miedo al otro, miedo a la diferencia, miedo a lo que no se conoce, miedo al dolor, miedo a nosotros mismos. El Miedo es el combustible de nuestra existencia. El miedo a la soledad, el miedo a la libertad, el miedo a ser uno mismo. De pronto ser uno mismo es ser abominable para el otro. Tal vez ser la diferencia es ser víctima, víctima que tiene miedo ser ella misma. Cuando los hombres desaparezcan, los animales reinarán. Cuando la bondad muera en el mundo, sólo el hombre verdadero será dueño de él. Miedo. El miedo atrae a la paranoia, el miedo alimenta la desconfianza, el miedo carcome y alimenta los sueños. Nosotros somos el miedo caminante.

THE ROAD (2006) es una novela de Cormac McCarthy, autor que tiene entre sus obras -las que por referencia se señalan como clásicos de la literatura estadounidense- otra bajo el nombre de NO COUNTRY FOR OLD MEN (2005). ¿Les suena el título? Lástima. No he podido leer ninguna obra de este, al parecer, gran escritor estadounidense, ganador del premio Pulitzer. Sin embargo, he visto las adaptaciones al cine de ambas. En el caso de este post, THE ROAD (2009), adaptación del director John Hillcoat, con Vigo Mortensen -gran performance- y Kodi Smit-McPhee -buen arranque-.

La historia es simple, directa y efectiva. Es simple por ser la historia de amor de un padre protegiendo a su hijo en un viaje a través de un mundo que se destruye poco a poco, un mundo en el que la vida parece ser lo último que adquiere valor y en donde el ser humano ha mostrado su verdadero rostro ante la desesperación. Directa porque a pesar de momentos de tensión propios de una hell-road-movie -¿existe esa categoría?- se mantiene una línea recta y afilada como un cuchillo que se incrusta en nosotros con cada momento de acción que se siente venir. Por último, efectiva porque no apela a los grandes despliegues de recursos técnicos, ni a los efectos especiales gigantescos y desnaturalizadores, las escenas de acción son pocas y crudas, lo que las hace impactantes.

El miedo es el primer y principal motor de los personajes en esta película. Es la primera columna, el primer sostén de THE ROAD. En ella se nos muestra el deterioro mental al que es sometido el ser humano al no poder superar una ituación adversa y desesperante (la escena de la casa con la familia que ha encerrado a su cena es muy buena); la angustia por no saber cómo proteger a un ser querido más allá de nuestras propias limitaciones y el valor para asumir una decisión extrema ante ese escenario (la escena en la que el Papa le enseña al hijo qué hacer si está próximo a ser atrapado); pero también nos muestra el valor de la humanidad presente en muy pocos personajes que se resisten a perder esa condición a pesar de la desesperanza y el miedo (el encuentro en el camino con un contundente Robert Duvall y con Guy Pierce).

Un párrafo para la segunda columna, el segundo sostén de la película. Vigo Mortensen tiene un papel diferente a los que tuvo por ejemplo en EASTERN PROMISES, A HISTORY OF VIOLENCE, sin mencionar su papel más conocido en THE LORD OF THE RINGS, en el que su presencia física y su fuerza era una constante. Aquí nos muestra a un personaje con una gran fuerza de espíritu que tiene su fuente de poder en su hijo para poder protegerlo a través de su viaje hacia el sur. Mortensen se nos muestra como un personaje con el miedo en la piel, la desesperación en las manos y la muerte en el pensamiento. Grande Vigo.

Película seca, directa, contundente, sin aspavientos, sin falsos momentos dulces, sin sobreactuaciones ni desproporciones en la historia. Película gris y conmovedora. En resumen, una gran película. Vayan a verla antes de que la saquen de cartelera.

MARIO VARGAS LLOSA

2010-10-19T21:07:00.000-07:00

No creo en los premios. No creo que los premios sean un indicador incuestionable de lo que es bueno, y de lo que sea malo, en el mundo de la cultura, y el arte. Un artista se expresa de acuerdo a la necesidad de su alma, de su espíritu libre y creador, conjugado con su talento, y su dedicación (por lo mismo no creo en esa vieja idea de Cortázar acerca del escritor profesional. La universidad no forma artistas).

Los escritores no necesitan premios.

Un escritor no trabaja para ser premiado. Ningún escritor, que se precie de serlo, escribe buscando fama y fortuna, así como nunca vende sus opiniones, ni permite que lo censuren, o que censuren a otros artistas, e intelectuales. Un escritor de verdad ejerce la libertad. Y un premio no es más que la satisfacción de la vanidad.
Así sea el Premio Nobel de Literatura.

Por eso mismo, Mario Vargas Llosa no necesitaba un Nobel (así como no lo necesitaron, en su momento, y mucho antes que Mario, dos representantes del alma nacional peruana: César Vallejo, y José María Arguedas). Cortázar nunca lo necesitó. Kafka tampoco. Mucho menos Borges.

Ni Sartre (en uno de los gestos más emblemáticos, y admirables, de los últimos tiempos -y el más emblemático, y hermoso, en el mundo de la literatura contemporánea-, Sartre rechazó, en 1964, el premio Nobel).

Mario nunca necesitó un Nobel para demostrar su grandeza como escritor. No lo necesitó para escribir una de las obras fundamentales de la literatura nacional, y que por necesidad (y, los científicos sociales, por obligación) cada peruano debería leer: Conversación En La Catedral, de 1969 (que junto a La Ciudad Y Los Perros, de 1962, y La Casa Verde, de 1966, representan lo mejor, y más trascendental, de la obra del escritor -de su conjunto de obras, luego de romper con Fidel, la revolución cubana, y la izquierda política e ideológica, rescato La Guerra Del Fin Del Mundo, de 1981, y sobre todo, El Pez En El Agua, de 1993, un libro de memorias necesario para entender a Mario y sus desavenencias con el Perú, con el socialismo, y con él mismo), que junto a Todas Las Sangres, de 1964, de José María Arguedas (la crítica literaria rescata el valor estético de Los Ríos Profundos, de 1958, pero, a mí parecer, Todas Las Sangres encierra, en sí misma, un valor histórico, y filosófico -sin dejar de lado su valor estético- imprescindible), representan -junto a la poesía de Vallejo- al alma nacional. Mario, y José María, en sus encuentros y desencuentros, en sus convergencias y sus separaciones, en sus amores y odios, en fin, en sus contradicciones, representan, juntos, el espíritu nacional.

Representan al Perú.

Personalmente, no comparto la euforia que ha desatado la entrega de este distinguido, y reconocido, premio (que, dicho sea de paso, y es necesario resaltarlo -no reconocerlo sería mezquino, y muy peruano-, Mario se lo tiene bien merecido por su trabajo, resultado no solo de su esfuerzo sino de su genialidad que proviene de su espíritu libre y creador, y su aporte en el campo de la literatura peruana y mundial. Mario, junto a Vallejo, Alegría, Heraud, Arguedas, y Ribeyro, configuran lo mejor de nuestra literatura). No comparto la algarabía. No soy parte (ni quiero serlo) de la fiesta.

¿Por qué? ¿Acaso no me alegra que un peruano haya ganado el premio Nobel?
Al contrario. Al enterarme de la noticia mi primera reacción fue de alegría, a la que sobrevino la nostalgia (recordaba que mi pasión por la política, y mi primer acercamiento con Mario, se inició en el año de 1989, a los diez años de edad, cuando me convertí en un ferviente simpatizante del Frente Democrático, Fredemo, apoyando, moralmente, la candidatura de Mario a la presidencia. Años más tarde, cuando estudiaba en la universidad, recordando esto, pensaba, medio en broma, medio en serio, que para ser de derecha en este país, uno tiene que tener la edad mental de un niño de diez años). Pero, tal como lo mencioné al principio, no creo en los premios. Los cuales no tienen, tampoco, nada de malo, pero, si tienen, en la mayoría de los casos (y sobre todo en una sociedad como la peruana) consecuencias negativas. La principal es la construcción de mitos en el imaginario social (tal como lo demuestran, actualmente, diferentes artículos, publicados, y dedicados a Vargas Llosa. Un artículo diferente, y recomendable, que escapa al halago fácil, y al encomio zalamero, es: Contra Viento Y Marea, escrito por César Hildebrandt, y publicado en el semanario Hildebrandt En Sus Trece, en su edición del 8 de octubre). Y estos mitos generan verdades absolutas en las estructuras mentales.

Imágenes falsas.

Y estas generan, a su vez, olvidos, e inconsecuencias, como pensar en un Vargas Llosa cuya voz sea la que ordene, y determine -tal como lo hace la derecha política en el país-, lo que es bueno, y lo que es malo, en el Perú, y Latinoamérica (cuando el pensamiento de Vargas Llosa está determinado -como el de todos- ideológicamente, y sus propuestas, y proyectos políticos, están condicionados por la ideología liberal, lo cual los hace admirables -como su defensa de los derechos humanos- discutibles, debatibles, y en muchos casos inaceptables -recordemos que Vargas Llosa defendió la invasión de EE.UU. A Irak en el 2003, defendió el golpe de estado en Honduras en el 2009, y defiende el modelo neoliberal, modelo político que se caracteriza por perpetrar la injusticia, la desigualdad, el racismo, la discriminación, la corrupción, la pobreza, y la miseria, en nuestro país), dejando de lado los cuestionamientos, y la crítica. Resignando el libre pensamiento, y condenando la esperanza. Forjando un pensamiento miserable.

Un pensamiento acrítico...

Like a rolling stone.

Luis Enriquez
Historiador

LA FELICIDAD DE LOS PERUANOS

2010-10-19T21:03:00.000-07:00

Artículo escrito el Lunes 4 de octubre del 2010

Las elecciones municipales realizadas el día de ayer, domingo 3 de octubre, han generado una serie de análisis, desde los espectros ideológicos de la derecha y la izquierda, en relación a las causas, y consecuencias, de este proceso electoral en la ciudad de Lima principalmente.

Por un lado, la extrema derecha ha sostenido, a través de "sus" diferentes medios de comunicación, que la izquierda de Stalin, Mao, y Gonzalo, estaría detrás de la candidatura de Susana Villarán, y que un posible triunfo de Fuerza Social significaría un retroceso hacia la barbarie.

Por el otro lado, la izquierda ha sostenido, en los medios donde se lo han permitido, que la izquierda ha renacido como fuerza política (indiferente a los resultados que se puedan dar, ya que sostienen que el nivel porcentual de percepción de votos -39% hasta el momento- les permite dar tal afirmación).

Estas afirmaciones, tanto de la derecha como de la izquierda, resultan caprichosas, por no decir falsas, o erróneas.

¿Por qué?

Porque, en primer lugar, detrás de Susana Villarán no se encuentra ni Stalin, ni Mao, ni Gonzalo. Detrás de Villarán se encuentra una confluencia de izquierda. Es decir, un conjunto político heterogéneo que se caracteriza por estar ubicado en el espectro ideológico de la izquierda (diferenciados por sus referentes de análisis sociales, que pueden ser, por ejemplo, desde Marx y Lenin, pasando por Stalin y Castro, hasta Flores Galindo Y Galeano), y que impulsó, y apoyó, la candidatura de Susana Villarán. Y un triunfo de Fuerza Social no significaría un retroceso, ni pondría en peligro este injusto y cruel modelo de democracia (en realidad, los programas, tanto de Fuerza Social como del Partido Popular Cristiano, P.P.C. Es decir, tanto el de la izquierda como el de la derecha, tienen más coincidencias que diferencias).

Y en segundo lugar, la izquierda no ha renacido como fuerza política.
Entonces, ¿qué se ha producido?

Estas elecciones han producido un nuevo escenario político, otro fracaso, y un país feliz.

Si bien es cierto que este nuevo escenario apertura, para las elecciones presidenciales del 2011, un espacio para una candidatura, electoralmente importante, de izquierda (hecho innegable, a pesar de los obstinados analistas de la derecha quienes sostienen que estas elecciones no han producido un nuevo escenario, y que por lo tanto, de acuerdo a estas apreciaciones, nos encontraríamos en una suerte de inmovilidad política), esta candidatura no reflejaría un renacer político de la izquierda así como el éxito de Susana Villarán no refleja este supuesto renacer.
El éxito de Susana Villaran no es ideológico.

El éxito de Villarán es político. Políticamente peruano. Es decir, tal como se entiende la política en el Perú: gesto, simpatía, y caudillismo.

La ideología es un afeite para los políticos peruanos.

Lamentablemente, para Lourdes Flores y el P.P.C. Se dieron cuenta de esto demasiado tarde (o tal vez a tiempo, no lo se hasta el momento), y desarrollaron su estrategia de campaña (post caída de Kouri) de acuerdo a una diferenciación ideológica (resultaba, entre risible y patético, leer, y escuchar, a Aldo Mariátegui o a Jaime De Althaus, hablar y escribir de un enfrentamiento ideológico -como si se tratara de un enfrentamiento entre el estatismo y el libre mercado-, cuando ya he remarcado, líneas arriba, que los programas, de Lourdes y Susana, son muy parecidos, y porque además estos y muchos "intelectuales", y políticos, de derecha, desde que cayó el muro de Berlín y la U.R.S.S. sucumbió en sus propias contradicciones, pregonan el fin de la historia y: ¡la crisis de las ideologías!). Cuando Flores se dio cuenta de este error (cosa que por ejemplo no hizo Vargas Llosa en las elecciones presidenciales de 1990, quien cometió el mismo error que cometió Flores), y decidió cambiar su estrategia (dejo de ser la políticamente correcta Lourdes Flores para convertirse en una suerte de versión femenina de ese animal político llamado Alan García) desde el día del último debate municipal, estuvo (o está) muy cerca de la victoria (esto se demuestra en el estancamiento, en la última semana, de Villarán -gracias a que Flores, y no sus desafortunados aliados como Correo y La Razón quienes con su campaña ayudaron a Susana,"dinamitó" la imagen, construida en el imaginario social peruano, de Villarán- y en el repentino crecimiento de Flores).

El aparente triunfo electoral de Susana Villarán no significa un renacer de la izquierda, ni mucho menos. Lo que significa, además de la apertura de un nuevo escenario político en el horizonte de las elecciones del 2011, es, en primer lugar, la confirmación de que la práctica política en el Perú se caracteriza por la ausencia total de ideas (cuya consecuencia es el total desconocimiento, por parte del electorado, de los programas y proyectos políticos), y, en segundo lugar, por la resignación de los grupos o movimientos políticos que proponen ideas, y "novedosas" maneras de entender la política (una "nueva" práctica política que se distinguiría por las nada novedosas: presentación de proyectos, lucha de ideas, respeto, honestidad, pero que en el Perú parecería realmente una novedad), a "naufragar" en la política criolla peruana en la cual Fujimori fue presidente, Alan es presidente, y Keiko puede serlo.

¡Y Humala también! (Ollanta, desde el símbolo de su agrupación política -la O de Ollanta- demuestra que su "partido" es él. Y él es un aventurero. Tiene todas las credenciales de un aventurero. Un aventurero con el aval de un sector de la izquierda (así lo demuestra el manifiesto: ¡Por La Gran Transformación Del Perú!, firmado por la intelectualidad pragmática de la izquierda -lo cual no me sorprende de muchos de ellos, pero si me causa pena por una persona que respeto, académicamente, como Sinesio López. Los intelectuales deberían ser la conciencia crítica de la sociedad, y no representar a, lo que Vargas Llosa llamó: los intelectuales baratos). Un aventurero que se parece mucho al aventurero Fujimori. Un aventurero que una vez elegido puede instaurar una dictadura fascista, que sería el colofón perfecto de este país condenado por sus clases dirigentes, su clase política, y por sus propios ciudadanos.

Este proceso electoral, más allá de la apertura de un nuevo escenario político, nos ha demostrado que, una vez más, la derecha política ha fracasado. Y la izquierda también. Que no existe un horizonte utópico. Solo existe la utopía. Que la sociedad peruana es una sociedad feliz. Y los peruanos vivimos felices.
Y la felicidad es la ignorancia...

Like a rolling stone.

Luis Enriquez
Historiador

LIMA CAPITAL, ESTILOS DE GRAN URBE

2010-10-16T11:16:00.000-07:00

"Hace tres días y tres noches que vive en el estómago de la ballena verde".
Carlos Yushimito

"Llego al palacio en taxi. La imagen es una señal, pienso, todo volverá a ser como antes".
Juan Manuel Robles

Llegaron las horas del mediodía. Acabo la pequeña presa que tenía en el almuerzo. Cambio de turno, y de lugar. Biblioteca, no muy valorada por sus visitantes. Pero trabajo acá, y felizmente puedo pasear por sus seis pasillos pequeños. Oh sorpresa! Un libro que llama la atención. Lo veo arriba, lo saco, y tengo que limpiarlo. El polvo me hace notar que no muchas manos lo han tocado. Cómo se llama? Ya lo viste el título de este post. Pero por fuerza de formalismo lo mencionaré, en el otro párrafo.

En LIMA CAPITAL, ESTILOS DE GRAN URBE encontraremos una gran selección de fotografías que componen la visión de los autores en relación a la problemática de la gran Lima actual y sus habitantes. Los contrastes, las fortalezas, las esperanzas, los defectos, las virtudes, los personajes, todo en una gran cantidad de fotografías que nos llevan en un viaje por los diferentes distritos de este monstruo de más de ocho millones de cabezas que es Lima.

Este libro cuenta con el esfuerzo conjunto de fotógrafos como Adrián Portugal, Eitan Abramovich, Enrique Castro-Mendívil, Guillermo Figueroa, Max Cabello, Renzo Giraldo, Sergio Urday, Verónica Salem, Walter Hupiú y El Comercio; junto a redactores como Luis Miranda, José Miguel Cabrera, María Luisa del Río, Óscar Tramontana, Juan Manuel Robles, Carlos Yushimito y Juan infante; todos bajo la coordinación y dirección de El Comercio. Su primera edición, que es de la que les estoy escribiendo, fue del 2007 y su tiraje fue relativamente pequeño: 4000 ejemplares.

Es una obra de vital importancia para entender visualmente a la horrible y bella Lima. Lima es como una Medusa, no puedes mirarla directamente, pero es inevitable hacerlo. Atrapa y decepciona, esperanza y golpea. Lima es una constante evolución. Es un ente vivo que carcome, pero que también acaricia y protege. Solíamos decir alguna vez que la única manera de andar por sus calles es temiéndole, y puede que aún sea cierto, aunque la gravedad nos atraiga siempre a su seno.

Buenos textos, algunos con un ingenio increíble -como aquella conversación e-mailiana- complementan las imágenes. Los temas son varios, como los conos de la ciudad: el arte callejero del graffiti, historias de barrio, el mar como presencia y razón de ser de algunos distritos de Lima, la soledad y fortaleza del deporte amateur, el centro de Lima, los eternos recorridos en el estómago verde de un bus con número, etc. Contiene también gráficas detalladas de manera fácil y entendible con un diseño pop art que hace más digeribles sus lecturas, además de datos estadísticos que complementan la información.

En resumen, un buen libro que debe ser parte de tu biblioteca. Claro, si es que quieres conocer un poco más de esa Lima que te aterra. De esa Lima en la que siempre estás.

¿GHOST O SEXTO SENTIDO PARA GAYS? ROSA PASTEL: CONTRACORRIENTE (2009)

2010-09-19T09:27:00.000-07:00

¿Es Contracorriente una película de amor o una película de amor gay? ¿Existe alguna diferencia entre ambos términos? ¿Es simplemente una película efectista y cursi que apela al romanticismo postmoderno anti-género? ¿O es una película que refleja la realidad de la psique discriminatoria, rancia, homofóbica y sexista de nuestro país y, de manera más amplia, de nuestra realidad latinoamericana?

Contracorriente es una película de amor. Simplemente eso. Es una película en la que el tema principal es la lucha por la concreción de un amor prohibido por la sociedad, que lo ve diferente, y por lo tanto, como algo errado, antinatural, Contracorriente. Es el amor entre el desconocido del pueblo y el personaje amado por todos en él. Es la relación entre el forastero y el lugareño, entre lo conocido -y por lo tanto aceptado-, y lo desconocido -por ende rechazado y atacado-. No es una película sobre gays, si es que existe el término. Y no lo utilizo porque catalogar a una película por la tendencia, gusto o identidad sexual de los personajes también es un ejercicio de discriminación.

Es una película efectista, pero también una imagen de nuestra sociedad. Efectista por el sentido que le da su historia de amor. Ella no es la tradicional, es un amor entre dos personas del mismo sexo: dos hombres homosexuales. Es un tema moderno, un tema que está explotándose, aunque pocas veces de manera efectiva, siendo Brokeback Mountain un claro paradigma para el director de esta película -a la sazón, también gay-. Pero Contracorriente también ataca los miedos y los prejuicios que vemos y en los que caemos a diario en nuestra realidad en relación a la homosexualidad. La indiferencia e incomprensión ante el sufrimiento de las personas homosexuales, la segregación por la elección de género de los personajes, la violencia -aunque de tirar huevos se trate- contra el extraño, el desconocimiento y rechazo a lo que es diferente, a lo que altera el orden "natural" de las cosas, son elementos tocados en la película. El mérito máximo de esta película reside en el hecho de que finalmente un tema aún polémico en nuestro país es tratado en la gran pantalla con una respetable calidad, siendo la primera película peruana, a mí entender, que pretende tocarlo seriamente -paso por alto No se lo digas a nadie-.

Hay algunas películas que llenan de minutos la pantalla para justificar la historia que desarrolla. Por eso la sensación de que sobran unos quince minutos a Contracorriente es bastante fuerte. Ya destacamos su mérito máximo. Pero también vimos cosas que no gustaron. Por ejemplo, la poca expresividad de la pareja llamada a ser la piedra angular de la película. No trasmiten sensaciones, no permiten sentir antipatía, ni compasión, ni tristeza, ni alegría. Javier Fuentes –director, médico de profesión- al parecer no hizo un buen trabajo con Cristian Mercado y Manolo Cardona. Caso contrario al de Tatiana Astengo. Tatiana Astengo permite sentir simpatía, se le ve como a cualquier madre de familia, sufrida y luchadora. Campechana hasta no más, a la Astengo se le ve natural, tan natural que las mujeres de la sala a donde fui a verla comentaban lo identificadas que podrían sentirse con su personaje, cosa que nunca ocurriría con los varones que las acompañaban y su contraparte en la película. Los extras, son eso, extras. Aunque uno destaca, aunque sea por la curiosidad, ya que fue personaje principal en una de las mejores películas que se hicieran en esta tierra del sol donde el indómito inca prefiriendo morir: me refiero a Germán Gonzalez y su papel en Alias La Gringa.

La música es lenta, ambiental, melancólica, por momentos cansando al oído –otra vez, los quince minutos extras-. Apoya a las imágenes y a la historia, dándole un ambiente de tristeza y nostalgia que va de la mano con el desarrollo de la trama. Escenas memorables pocas. Es un conjunto bien armado, pero no espectacular, ese es un gol a favor de la película, tiene homogeneidad, por lo que no destaca ninguna escena en particular.

Como siempre, digo que se trata de mi opinión, amateur, poco especializada, de historiador, que pretende ser científico social, etc. ¿Quieres formarte una opinión? ¿Te fastidio lo que leíste? ¿Piensas que has perdido el tiempo al leer esta crítica tan mala? Pues ve al cine, antes de que Contracorriente sea quitada de cartelera y has tu propia reseña o crítica. Apoya al cine peruano, aunque sea como yo.

Mike Lado B
Proyecto Lado B

LA LARGA DURACIÓN DEL METAL: A HEADBANGER'S JOURNEY

2010-09-15T18:38:00.000-07:00

El Metal siempre será despreciado. Despreciado por el resto de la sociedad porque, la mayoría de veces, valora la honestidad, destruye los paradigmas, rompe con las barreras de los prejuicios, invita a la liberación, crítica el abuso. La música puede ser un catalizador. Destructor de nervios y miedos. El Metal puede caer sobre tí como un gran garrote de acero que puede aniquilarte. O puede ser el gatillo que necesitas para disparar tu ser. Enfrentar al enemigo, ser uno mismo, rechazar al rebaño. Ser uno solo. Pero no el único. Con el Metal puedes mirar a tu alrededor y encontrar a un ejército de individuos, de seres únicos, pero unidos por la pasión que envuelve a la tribu. No puedes ser uno más de ellos, además, no te lo permitirán. Aquellos que se dicen buenos te mirarán como un desadaptado. No eres igual al resto, no eres igual a ellos. Por eso te señalarán y te encasillarán en el molde que los mediocres tienen para ser menos mediocres: el prejuicio. Dirán, como el Baron Rojo que "los rockeros van al infierno". Pero eso no importa. El Metal es música para inconformes, es libertad a través de alto voltaje sonoro. Luchar contra la marea, contra la gran manta que cubre toda la realidad de miseria. La música, el metal, corre por tus venas si eres tú mismo. Pero si piensas que la soledad es tu única salida, te equivocas, hay miles como tú, pero no iguales a tí. De acero está hecho tu corazón, y es lo que te hace único.

Sam Dunn nos narra su viaje a través de la furia y esencia del metal en METAL: A HEADBANGER'S JOURNEY. En español vendría a ser "El Viaje de un Metalero", película documental grabada el 2005. La película cuenta una línea temporal interesante, no vista como tal desde el principio, pero sí reconocible para cualquier amante de este estilo musical. Pero el eje de todo el documental, su base, su razón de ser, su arma letal, son las entrevistas -muy buenas, en su mayoría- a diversos personajes de la escena. Personajes importantísimos en la perspectiva evolutiva musical e histórica de este movimiento: Ronnie James Dio -QEPD-, Bruce Dickinson, Tommy Iommi, Lemmy Kilmister, Dee Snider, Tom Araya, Necrobutcher, Alice Cooper, entre otros.

Se nos mostrará una perspectiva de la naturaleza, casi para algunos oculta, de este estilo musical. Naturaleza que tiene conexión con las raíces clásicas de la música -en especial con Wagner-, con las raíces medievales de la música -con su teoría de la nota musical llamada el tritón-, y con las raíces más profundas del blues de los esclavos americanos. Otro aporte del documental es que nos ofrece un análisis, tema por tema, de todos los elementos no musicales que envuelven al metal. La influencia del entorno social en la psicología de los amantes de esta música, la relación de género en el metal, las alegorías y críticas al cristianismo y a todo tipo de religión, la defensa contra los continuos ataques de la sociedad -en este caso estadounidense- sufridos por los artistas, etc. Todo para tratar de responder una pregunta, que es la interrogante que motivó a Sam Dunn a realizar este trabajo: ¿por qué el metal ha sido objeto de críticas, ataques y condenas constantes por parte de la sociedad, por parte de aquellos que se dicen buenos?

Responder o no a esta pregunta, no importa. Lo cierto es que este documental es uno de los pocos que ha tratado de entender al metal como un hecho histórico de larga duración. Trata de entender a un fenómeno que lleva más de cuarenta años haciéndose presente e influyendo de diversas maneras en cada sociedad en la que ha tenido espacio para desarrollarse. Sería bueno terminar este post con dos frases de dos personajes totalmente opuestos, musicalmente hablando. Rob Zombie: "Lo interesante acerca de esto es que es un fenómeno tan grande, y aún así la gente no lo nota"; Joe Strummer: "Cualquier estilo de música de lo que se trata es de que nos enseña que es importante, es bueno estar vivo"

Miky Lado B
Bang your head!

No al decreto 1097

2010-09-13T17:34:00.001-07:00

No dejemos que los casos de asesinatos, torturas y desapariciones ejecutadas por miembros del esatado y militares queden impunes!
NO AL DECRETO 1097!
Movilizate

The Flyng Beirut Orkestar

2010-09-08T16:32:00.000-07:00

Mañana Jueves 9 de Septiembre, están todos invitados a disfrutar de buena música con la banda The Flying Beirut Orkestar.
Donde: Acá Nomás Bar Cantuarias 331, Miraflores
Cuanto: 5 soles.
Banda Invitada: Astronauta & Luna.

Menos Tiempo que Lugar

2010-09-06T17:47:00.000-07:00

Menos tiempo que lugar
El Arte de la Independencia

Sala Juan Pardo Heeren – ICPNA Lima (Jr. Cusco 446, Lima). Del 20 de agosto al 2 de octubre 2010.
De martes a domingo, de 11:00 am. a 8:00 pm.

“Hay menos tiempo que lugar/ no obstante hay lugares que duran un minuto/ y para cierto tiempo no hay un lugar” Mario Benedetti.

Esta es una exposición de fotografía, video arte y video documental en la que puede verse de muchas formas la realidad de nuestros países, ciudades, pueblos y hasta nuestra propia realidad, frente a nuestra historia y en especial frente a nuestros 200 años de independencia en los países latinoamericanos.
“Menos tiempo que lugar” es una frase de un poema de Mario Benedetti – que leemos arriba - , que al decir del curador - Alfonso Hung - refiere el usar el arte como captador de instantes, ante esos lugares o acontecimientos que traen el hecho de ser independientes, no es solo conmemorar fechas sino a través de estas expresiones ir recuperando el significado de la independencia, nuestra situación actual frente a la tradición cultural.

La sección fotográfica sorprende, las fotos de Agata Madejska de Alemania son preciosas, hace fotos del camino inca a lo largo de Ecuador y Perú. El único peruano de la expo es Fernando Gutiérrez, quien invito al descendiente del General Grau a un viaje por los lugares donde el verdadero Grau visito, a lo largo del viaje el artista recrea situaciones que fotografía, a las vez hace ver al Grau moderno como un personaje histórico vivo, que se caricaturiza al contraponerse ante el mismo artista vestido de súper heroe, la imagen del descendiente de Grau exalta la carga histórica del personaje con una carga irónica.

Los mejores videos de la muestra – a mi parecer - son el de Martin Sastre de Uruguay con “Episode I: Tango with Obama” 2009, donde un Barack Obama falso baila tango con el artista frente al Reina Sofía de España, el baile entre los dos refiere según el curador a la relación de atracción y control entre América Latina y Estados Unidos. Narda Alvarado de Bolivia con “Politeística Ecléctico Fiestero Eterno Cotidiano” 2009, este video es mucho más personal, busca relacionar la tradición cultural de las danzas andinas, con la alucinación de recrear una propia danza, a medida que avanza el video ella va imaginando los trajes, accesorios y coreografía de su propia danza; el video es muy divertido. Cabe mencionar a Alexander Apóstol de Venezuela con “YAMAIKALETER” 2009, en donde se muestran un grupo de dirigentes comunales que leen en voz alta la Carta de Jamaica que Bolívar escribió en ingles, el video se hace emocionante por la forma en que leen los encargados ya que ellos no dominan el inglés. También está el video de Claudia Aravena Abughosh de Chile con el video “Sin Titulo” 2009, representa el enorme océano que siempre nos separo del resto del mundo, pero que a través del cual también fuimos conquistados.

Los artistas que participan en la muestra son: Claudia Aravena Abughosh (Chile), Neville D´Almeida (Brasil), Narda Alvarado (Bolivia), Alexander Apóstol (Venezuela), Christine de la Garenne (Alemania), Fernando Gutiérrez “Huanchaco” (Perú), Leticia El Halli Obeid (Argentina), Bjørn Melhus (Noruega/Alemania), Martín Sastre (Uruguay), Mariana Vassileva (Bulgaria/Alemania) y Roland Stratmann (Alemania).
La muestra está acompañada por un ciclo de cine, un taller de poetas y un ciclo de conferencias co-organizado con la Pontificia Universidad Católica del Perú, que se llevarán a cabo en Auditorio del Goethe-Institut Lima, Jirón Nazca 722.

Conferencias:
Scarlett o Phelan, "San Martín y la independencia
latinoamericana", 27.09 – 19:30 horas
Antonio Zapata, "Las fechas de las celebraciones del bicentenario", 28.09 – 19:30 horas
Juan Luis Orrego, Reflexiones ante el bicentenario", 29.09 – 19:30 horas
Cristóbal Aljovín, "La independencia y el tema de la libertad", 30.09 – 19:30 horas

N.E.V

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2010-09-05T19:52:00.000-07:00

CICLO CINE Y MÚSICA: DOCUMENTALES - 1era Fecha Jueves 2 de Setiembre - PUNK: ATTITUDE

2010-09-04T22:20:00.000-07:00

Es un documental sobre el surgimiento del movimiento Punk. Don Letts, es un director de cine forjado en el acero del movimiento contra-cultural en la Inglaterra de los años 70's: el Punk. El Punk "es", a decir de los participantes, ...más que una movida musical, más que una moda polémica, una actitud, un estado de ánimo, un estilo de vida. En el documental se rescatan los elementos que hicieron de esta una ola anti-establishment, y que hacen que aún hoy se sientan los estragos del terromoto cultural que propició el movimiento Punk en el mundo. Con testimonios de personajes como Jim Jarmusch, Johnny Depp, Siouxsie Siux, Johnny Rotten, que son sólo algunos de los personajes que alimentaron y se nutrieron de esa ACTITUD.

CICLO CINE Y MÚSICA: DOCUMENTALES

2010-09-04T22:11:00.000-07:00

El Cineclub OJOS ABIERTOSde la UTP, con el apoyo del colectivo PROYECTO LADO B, presenta el 2do Ciclo de Cine y Música: DOCUMENTALES, MOVIMIENTOS MUSICALES. Películas documentales que nos muestran el nacimiento, desarrollo y, ocasionalmente, la muerte de movimientos musicales que calaron de manera importante en el inconsciente colectivo del mundo. Punk, Hardcore, Metal, Grunge y Britpop, son los movimientos elegidos debido a su influencia, tanto en la cultura como en el ideario social de todos nosotros. Todos los jueves de setiembre, a las 7:30 pm, en el AUDITORIO ELISA TOULLIER DE VALCÁRCEL, de la UTP, 3 piso. EL INGRESO ES LIBRE. La programación es la siguiente:

JUEVES 2 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Punk attitude
País y año: EEUU. 2007/ Director: Don Letts

JUEVES 9 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
American hardcore
País y año: EEUU. 2006/ Director: Paul Rachman

JUEVES 16 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Metal: a headbanger's journey
País y año: EEUU. 2005/ Director: Sam Dunn

JUEVES 23 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Hype!
País y año: EEUU. 1996/ Director: Doug Pray

JUEVES 30 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Live forever: The rise and fall of the britpop
País y año: EEUU. 2003/ Director: John Dower

BLOOD

2010-09-04T13:23:00.001-07:00

CALCOMANÍA

2010-08-28T22:54:00.000-07:00

KRIA KUERVOS Y TE SAKARAN LOS COVERS

2010-08-28T22:40:00.000-07:00

Ahí va un nuevo flyer del programa de Dj Lamia, KRIA KUERVOS Y TE SAKARAN LOS COVERS, en Radio Lado B. La materia no desaparece, sólo se transforma, ergo, los flyers no son definitivos, cambian de acuerdo a la inspiración, necesidad, estado de ánimo, etc. Entra a la otra cara de la música http://radioladob.tk

FUTURE WITHOUT NAMES

2010-08-28T22:33:00.000-07:00

PARED

2010-08-28T22:23:00.000-07:00

Radio Lado B 3d

2010-08-28T22:21:00.000-07:00

OÍDOS VÍRGENES

2010-08-28T22:09:00.000-07:00

Ahí va un nuevo flyer del programa de Dj Siamese, OIDOS VIRGENES, en Radio Lado B. La materia no desaparece, sólo se transforma, ergo, los flyers no son definitivos, cambian de acuerdo a la inspiración, necesidad, estado de ánimo, etc. Entra a la otra cara de la música http://radioladob.tk

PEUR(S) DU NOIR, 2008: CUANDO LA OSCURIDAD COBRA VIDAS

2010-08-25T22:33:00.000-07:00

El Negro es la ausencia de color. ¿La oscuridad es la ausencia de la vida? Temes encontrarte con algo que no quieres ver a la luz. Caminar a ciegas es retar a la suerte, o tal vez, someterse a ella, dejarse caer. El Miedo es combustible, adrenalina pura para el ingenuo que cree poder manejarlo. En realidad, el Miedo es un ente poderoso, ente que se apodera de ti, haces lo que quiere que hagas. La oscuridad cobra vida entonces. No es ausencia de la vida, es vida misma. Vida dentro del mundo que no ves, que no sientes, que no esperas. Pero además es refugio. Lo sombrío nos da una oportunidad para ser nosotros mismos, sin que los demás nos vean. Las sombras caminan y se acercan porque la oscuridad es propicia para el embuste, para la trampa, para sacar de nosotros al Marqués de Sade. Sensaciones, emociones, sentimientos, miedo, pasión, amor, perversión, todo encuentra en la oscuridad de la noche, o en la ausencia del color, el espacio adecuado, el campo abierto para ser. Los hombres le temen a la noche, porque temen encontrarse con ellos mismos.

Peur(s) Du Noir, es una película de animación francesa, realizada en el 2008. Para variar, no fue vista en el Perú, ni tampoco tendría por qué haber sido. Ya conocemos los gustos mercachifleros de nuestros cinemarks, cineplanets y uvks. La película es el resultado del esfuerzo de un conjunto de directores: Christian Hincker –A.K.A. “Butch”-, Charles Burns, Marie Caillou, Pierre Di Sciullo, Lorenzo Mattotti y Richard McGuire; además, cuenta con la participación, en voces, de un grupo de actores encabezado por el difunto hijo de Gerard Depardieu, Guillaume Depardieu, además de Aure Atika, Arthur H, François Creton, Nicole Garcia, Louisa Pili, Christian Hecq, y otros más.

Está dividida en cuatro historias, atravesadas por una quinta historia que la comienza y que continúa insertándose en los intermedios entre cada una de las historias. Para mí, es la historia más perturbadora -y la mejor-. Retrata el disfrute de la violencia y el abuso por parte de uno de los personajes –paradójicamente, vestido como un aristócrata del siglo XVIII–, que utiliza a sus cancerberos para infringir dolor en sus víctimas, y gozarlo. El trazo con el que se dibuja al personaje es aterrador: sus sonrisas retorcidas, la forma ofidia de los ojos. Otro elemento principal de la historia es el trazo a grafito puro del escenario en el que se desenvuelve la historia. También se presta a la causa. Se puede ver en el rostro del personaje, y en sus acciones, violencia, sadismo, terror, perversión, y, sobretodo, poder. Es, simplemente, una excelente historia.

“Me temo que sería difícil mostrar la superioridad de la civilización occidental a un aldeano afgano que esté viendo televisión conmigo”. Pero la historia mencionada atraviesa a varias. La primera nos habla de un niño apasionado por la ciencia, por la taxidermia y el estudio de los animales, insectos para ser más precisos. Esta fascinación lo llevará a capturar a un espécimen raro, antropoforme, que escapará y será su tormento en los días venideros. La historia tiene claras referencias a La Metamorfosis de Kafka, pero no llega a ser un reclamo encendido a la sociedad, lo cual no quita tu originalidad. “Lo puro nos amenaza”. La segunda entrega nos cuenta la historia de una niña nueva en una comunidad. Extranjera, por lo tanto víctima per se de torturas por parte de los niños del colegio que la ven como una intrusa, como un objeto violentable por su condición. Hasta ahí parecería ser un alegato animado contra la discriminación por el lugar de origen, contra la xenofobia. Sin embargo, la realidad que se nos presenta no es tal, y en la historia cobran importancia los primeros detalles de la misma. “El hombre es un lobo para el hombre, pero el lobo no es un lobo para el lobo”. La tercera historia trata sobre la aparición de una bestia en una pequeña campiña francesa, aparición que coincidirá con la misteriosa desaparición de un joven, y de su recuerdo por parte de un amigo.

La cuarta, y última, historia, acaso la segunda mejor lograda, a mi entender, nos presenta a un viajero solitario en medio de una tormenta de invierno que lo llevará a buscar refugio en una casa aparentemente abandonada. El uso de los dibujos, a veces haciendo las veces de primera persona, a veces como observadores, es magistral. No recuerdo muchos ejemplos parecidos. La historia también es cautivante. Nos atrapa la curiosidad que despierta el color negro, la oscuridad, la ausencia de luz y conocimiento; el personaje va descubriendo habitaciones de la casa, la ansiedad por saber lo que está detrás u ocultándose en medio de la ausencia de luz nos gana la partida.

Miedo a fracasar, miedo a asumir roles, miedo a ser uno mismo, miedo a caminar por la vida, miedo a crecer, miedo a morir, miedo a la soledad, miedo a comprometerse, miedo a la sociedad, miedo a la gente, miedo a las diferencias… Miedos míos, tuyos y de ellos. El Miedo es un ser vivo. Y la película lo demuestra.

OIDOS VIRGENES: Todos tus 90's y más!

2010-08-18T19:18:00.001-07:00

RELOAD: Hard rock y artillería metal!!!

2010-08-18T18:49:00.000-07:00

Todos los martes y jueves, RELOAD: Lo mejor del hard rock y el heavy metal. Podrás escuchar a los clásicos del hard rock y el metal como ACDC, UFO, KISS, BLACK SABBATH, THIN LIZZY, DEEP PURPLE, URIAH HEEP, SAXON, DIAMOND HEAD, VENOM, IRON MAIDEN, CHARIOT, AVENGERS, VAN HALEN, MÖTLEY CRÜE, SLAYER, ACCEPT, METALLICA, MEGADETH, ANTHRAX, GAMMA RAY, HELLOWEEN y muchos más... Ya saben, entren a http://radioladob.tk/ y disfruten de la mejor descarga metalera!

I HAVE A DREAM: INCEPTION (2010)

2010-08-03T20:24:00.000-07:00

"Somos miserables porque escuchamos música pop, o porque escuchamos música pop somos miserables". La línea pertenece al personaje de John Cusack en High Fidelity, y deja notar cierta influencia de la música en la formación del carácter, la personalidad de las personas que la consumen. El producto cultural, cualquiera que sea su forma, debe tener como una norma inherente la penetración en la mente del espectador, oyente, lector, en suma, el consumidor. ¿Se pueden plantar ideas en la mente de las personas a través de la creación de mundos paralelos y de sueños manipulados? Al parecer sí. Para algunos, Christopher Nolan, director de Batman begins (2005), Batman The dark knight (2008), The Prestige (2006), Insomnia (2002), Memento (2000), diseñó un mundo cinematográfico con el objetivo de plantear el dilema que existe entre el director de cine y la industria. La dialéctica existente entre el negocio multimillonario de producción de cine y las intenciones del director de hacer un cine de calidad. Para algunos lo logra, para otros no. Algunos comentarios en los blogs -como el de Páginas del diario de Satán- la muestran como una cinta insoportable, un "adefesio". Para nosotros no lo fue tanto.

La cinta juega con la posibilidad de intervención en la mente de las personas. Se nos dice que se pueden extraer recuerdos, datos, se puede robar información a través de la penetración en los sueños del objetivo. Pero a su vez esta acción genera una contraria, así como se pueden sacar datos, información, también se las puede plantar. Esa es la premisa con la que se desarrolla la historia en su vena más complicada. Las otras líneas de la historia tienen que ver con los traumas personales de los personajes principales (Leonardo DiCaprio y Cillian Murphy, regulares nomás) y la búsqueda de la redención. La superposición de los sueños, soñar dentro de un sueño, constituye el escenario en el que se desarrolla la trama.

La primera parte de la película consiste en la presentación de la historia, así como la búsqueda y preparación de los personajes. Sin mencionar nombres, hace recordar mucho a las producciones en las que se junta a muchas superestrellas para un gran golpe, un asalto, un secuestro, o simplemente, la ejecución de una idea en común. Para mí, lo fascinante de la película viene en la parte intermedia. El uso de la terminología de la manipulación e interpretación de los sueños que se utiliza en el guión. Y es rescatable en la medida de que se utilizan conceptos psicoanalíticos ante el público (Freud saldría aplaudiendo de la sala). No estoy hablando de que sean conceptos e ideas despojadas de su naturaleza académica, sino de su adaptación a un guión de cine sin perder su esencia. La idea de que podemos interpretar los sueños de alguien, inducirlos, manipularlos, ya se había tocado antes en el cine –The Matrix, por ejemplo-. Pero con esta película, que no es una gran obra, ni se convertirá en un clásico del cine, alcanza creo otro nivel, ya que desarrolla una argumentación distinta en relación al tema. La última parte ya se encuentra dentro del género de acción. A modo de un videojuego, como lo han llamado en El Comercio, la película entra en los lugares convencionales de los productos de esa naturaleza. A punta de balazos bajamos nivel a nivel, y nos llevamos puestos los obstáculos, que son las proyecciones de la mente del soñador, hasta llegar al nivel final y el posterior desenlace.

En suma, una buena película. Entretenida, con un buen argumento, una idea desarrollada y bien sustentada en el guión, algo que la mayoría de veces no sucede con las cintas de ciencia ficción de gran presupuesto. Y una actuación para rescatar: Joseph Gordon-Levitt, actor de televisión y de películas independientes, su único blockbuster fue GI Joe (2009), que se lleva de encuentro al resto. Vayan a verla.

El Dato freak:
Inception tiene un cómic a modo de prólogo que puede leerse o descargarse en pdf desde esta página web http://movies.yahoo.com/feature/inception-comic.html. Cuenta con el guión de Jordan Goldberg y dibujo de Long Vo, Joe Ng y Crystal Reid.

Mike B-Side

NATURA: EL CURSO DE LAS COSAS

2010-08-01T18:09:00.000-07:00

Exposición de Ana Cecilia Gonzales Vigil
Centro Cultural Británico
Hasta el domingo 8 de Agosto.

El sonido de una gota de agua que cae envuelve la sala. Te invita a buscarla, mientras admiras colores, rojos, verdes, marrones. Formas, paisajes irreales, esas son las hermosas fotografías que Ana Cecilia Gonzales Vigil, http://www.acgvz.com/acercade.html, logró captar gracias al viaje que hizo junto a la organización Cape Farewell, quienes buscan difundir, a través del arte y la cultura, información sobre los efectos del cambio climático. El año pasado en coordinación con la Universidad de Oxford, Cape Farewell hace su primer viaje a Perú e invita a la fotógrafa a formar parte de su expedición. El viaje empezó en el nevado de Salcantay (Cusco) y terminó en la reserva de Tambopata (Puno – Madre de Dios).

Las imágenes que Vigil logra captar en la expedición nos hacen reflexionar sobre los procesos naturales, los nevados, los ríos, los charcos, las flores, las nubes. Hay una sala en la exposición donde podemos ver videos todo eso. La lluvia, los movimientos de las nubes te hacen sentir mucho más cerca de ese viaje. En el patio de la galería podemos interactuar con unas cajitas verdes, que al ser abiertas nos sorprenden con sonidos de la naturaleza. Los sonidos están separados, el ruido del agua, el canto de los pájaros. Si abres todas las cajitas puedes escuchar el sonido total. La muestra puede llevarnos hacia todos esos lugares en 15 o 30 minutos, tiempo en el que puedes observar toda la exposición.

En suma, Natura recrea el equilibrio de los ecosistemas naturales, nos lleva hacia una reflexión alrededor del curso de las cosas, del respeto por los procesos naturales, y, lo más importante, cómo nos vemos ante la grandeza de la naturaleza.

Nati Espino

NIEBLA ROJA: VALHALLA RISING (2009)

2010-07-28T15:44:00.000-07:00

“Al principio sólo existían el hombre y la naturaleza”. La niebla cubre todo. Las montañas de Escandinavia fortalecen el sentido de pertenencia del hombre para con la madre tierra. La idea de ser elemento y parte de un universo forjado para ser justificación de la violencia inherente en el ser humano. El miedo aparece. Se nota en la mirada de los hombres que deben soltar al más temible guerrero, al ser con el más desarrollado instinto asesino, al que vino del infierno. Paradójicamente, es un esclavo, un cautivo utilizado únicamente para pelear y dar ganancias al clan que lo tiene. La ira está en él. El rojo sangriento se impregna en sus sueños. El momento llegará y él estará preparado, listo y sin remordimientos. Sin piedad. Pero también tiene un salvador su alma. Un nexo con la vida, con el ser humano que yace dentro de él. Un niño que le da de comer será su compañero en la huída. Será la única alma que pueda salvar, la única que querrá salvar. El guerrero de un solo ojo venido del infierno encontrará el camino de su redención. Y tendrá que pagar el precio por recorrerlo.

Valhalla Rising es una película danesa del 2009, cuyo director es Nicolas Winding Refn, y que cuenta con la actuación principal de un gran Mads Mikkelsen (Arthur, Quantum of Solace, Clash of the Titans). Nos narra las peripecias de un guerrero llamado One-eye (un ojo) y un muchacho, a través de las montañas de Escandinavia, y su viaje, junto a un grupo de guerreros cruzados, hacia la tierra santa. Está dividida en seis capítulos que componen una ilación de sucesos y estados mentales y de ánimo. Va desde la ira hasta el sacrificio. Lo más impactante de la película es el personaje de Mads Mikkelsen. El imponente y atemorizante One-eye. Sobrio, natural, solemne –sin caer en la cursilería-, convierte a su personaje en una especie de nórdico ronin vengador quien, junto al niño sin nombre, viajará a través de las montañas danesas y aguas desconocidas. Imposible no compararlo con los personajes de Lone Wolf and The Cub.

El personaje, repito, es un esclavo usado como arma por parte del clan que lo posee. El niño, que lo alimenta, es su único enlace con el mundo y la vida. Un mundo que está cambiando. En el que los seguidores del “Cristo Blanco” avanzan cada vez más sobre el pueblo nórdico, llevando consigo sus cruces, creencias y costumbres. Algunas de ellas despreciadas por el mismo pueblo. “He oído que se comen a su propio Dios, comen su carne y beben su sangre. Abominable”. El miedo crece. “Nos quieren ver muertos”. La valentía del guerrero nórdico, cuyo código de honor era la violencia como purificadora del alma, es un valor obsoleto en el nuevo mundo cristiano. “El dinero es la única manera de tratar con ellos”. El miedo al otro, a lo que no se conoce, es una presencia por sí misma en la película. Se puede ver en los ojos de los miembros del clan el terror que causa la sola presencia del guerrero-esclavo. La película, vista desde este punto, es una crítica hacia los vicios del cristianismo.

La segunda gran presencia es la de la naturaleza: las montañas, los ríos, la niebla, el bosque. Son entidades en sí mismas. Personajes vivos que alimentan la película desde su contemplación, desde su veneración. Valhalla Rising es una película contemplativa también. Contemplativa al estilo oriental, naturalista, filosofando a través de las imágenes, planos largos, con pocos diálogos, pero inteligentes. Relaciona al hombre con la naturaleza, enviándonos imágenes como metáforas para entender lo que quiere el director. Ejemplos sobran: el viaje hacia la tierra santa, en el que la niebla y el mar son elementos importantes, muestran el miedo a la muerte y la locura; los sueños premonitorios en rojo de One-eye sobre la muerte y su suerte; la muerte que encuentra a un cruzado en el tope de una montaña siendo iluminado por la luz del sol rodeado por nubes blancas que parecen ser celestiales.

Valhalla Rising es una película diferente al estilo de las películas de vikingos clásicas. Películas como Conan (1982), Beowulf (2007), Pathfinder (2007) o Vikings (1958), sólo por citar algunas. Una película que, para variar, jamás veremos en las salas peruanas. Ojalá me equivoque.

Mike B-Side

PERMANENT VACATION, 1980

2010-07-25T18:43:00.000-07:00

Allie pasea por la ciudad sin rumbo. Parece ser todo un alpinchista. La sociedad le interesa poco menos que la gente de la que se rodea. Sin embargo es un letrado. Malidicencia pop. Leyendo a Maldoror –obra del Conde de Lautréamont-, el hijo de una madre en mental pause, trata de establecer su barrera ante los demás. Andar el camino de la maldad inocente, natural, pero no intencional. Ser por sí y para sí, Allie anda y vive para vivir y andar. New York lo esconde, lo acoge, lo alimenta. La violencia de las calles destruidas y sucias es energía para su alma maldita. Maldoror vive y viaja en él.

Permanent Vacation, de 1980, es la primera película del entonces joven director Jim Jarmusch. Poeta, músico y cinéfilo parisino insomne, en esta película estaba definiendo lo que quería con su ingreso al cine. En ella nos presenta como personaje principal a una persona atribulada, con problemas, inestable, contradictoria, maldita por momentos, leyendo y citando poesía nocturna contracorriente del XIX, con una pose grave, con una imagen triste y taciturna, con una madre loca y en un ambiente agresivo. Y aquí un acierto de la película: el ambiente enrarecido, violento, no por los personajes que habitan en él, sino por la composición de la ciudad, por el concreto derruido y sucio. Estamos hablando de la New York de principios de los años 80's. Una ciudad que había sido la cuna del movimiento punk y el hogar de uno de los más grandes grupos de rock de toda la historia: los RAMONES. El escenario cuenta con toda esa carga física: se nota en los edificios, las calles destruidas, la basura en ellas, personajes lunáticos jugando alrededor. Un entorno agresivo para formar la personalidad, y en el caso de Allie -personaje principal de la película- la ciudad se inserta en él, pero de un modo diferente si lo comparamos con el Travis, de Taxi Driver.

La película tiene el bonus de mostrarnos los primeros pasos de un grande. Si uno viera todas las películas de Jarmusch, como será mi tarea, puede ver una evolución en los elementos que muestra en sus cintas. No un cambio, si no una evolución, una sofisticación que no le quita esencia a la intención. En Permanent Vacation podemos ver elementos que madurarán en la utilería mental del director que serán marca registrada: el espacio triste y a la vez agresivo, la música exacta, el personaje atribulado, triste y melancólico. Se me vienen a la mente los personajes de Forrest Whitaker en Ghost Dog, Jhonny Depp en Dead Man, Bill Murray en Broken Flowers, etc. Pero la similitud más cercana se encuentra entre el personaje de Ghost Dog: un personaje que tiene la habilidad extraordinaria de matar, pero también es solitario, convive con las palomas, vive según el bushido -código moral samurai-, tiene dificultad de entablar relaciones sociales con las demás personas, etc. Características que se repetirán en muchas de las películas de este director. La música en esta película, para mí, es aburrida, estamos hablando de una especie de Jazz Dark o Jazz Gótico. Creo que hubiera quedado un poco mejor si Jarmusch le hubiera integrado un poco del Punk américano -más experimental-, de grupos como Richard Hell, Talking Heads -referente para los estudiantes de arte de la época-, etc.

Si alguien me pregunta por qué la vi, diré que fue más por una cuestión académica, de investigación, que personal. Siempre es bueno saber qué temas trata la filmografía de determinado director, cómo se iniciaron en este arte, qué presupuesto usaron, cómo utilizaron sus pocos recursos, si fueron aceptados o no, si se sintieron bien con el resultado final o no. Creo que es una buena manera de acercarse a la producción cinematográfica de referencia. Jarmusch es básico, no es un director comercial -en el sentido más vulgar de la palabra-, es más bien una referencia para los "freaks" que quieren hacer cine diferente, independiente, con testosterona –en el buen sentido de la expresión-.

La que sigue será Stranger Than Paradise que, imagino, debe ser mejor y más elaborada.

Mike B-Side

Video XXI – Colección Lemaître

2010-07-20T21:12:00.000-07:00

Esta exposición presenta por primera vez en Lima los videos de la Colección Jean-Conrad e Isabelle Lemaître, familia que rescata video arte desde hace muchos años, que nos da a conocer videos recientes, realmente muy buenos, de artistas de Europa, Medio Oriente, Asia y América Latina. Es una de las primeras exposiciones puestas en escena en Lima que sólo muestra videos, y nos ayuda a tener una mejor idea de que es el Video Arte.

El Video Arte surgió en los años 60 como medio de expresión visual en contra de la comunicación de masas, ósea, la Televisión. Se sustenta en el formato y en la posibilidad de establecer un lenguaje sólo audiovisual. Se mueve en el hilo de una idea, pero se nos la presenta mediante imágenes, no necesariamente hay diálogos, y, a veces, contienen imágenes estáticas que hacen reaccionar. Intenta crear nuevas narrativas y nuevas formas de visualizar ideas. Es por eso que rompe con lo convencional o “visualmente correcto”, pues se vale de parámetros completamente distintos a los del cine o video clips. En resumen, es el video como obra de arte. Es el video como medio creativo. “El video es el principal medio de comunicación, consumo y creación cultural del mundo contemporáneo: desde el video generado por computador, pasando por los dos mil millones de videos que se consumen a diario en Youtube, hasta las obras creadas en contextos artísticos. (…) el video entonces ha facilitado la inserción de artistas de países como China, India, Israel o Perú en circuitos artísticos internacionales. Es por eso que hoy es el principal formato de museos y bienales contemporáneas. Los video artistas seleccionados utilizan el video para desarrollar posiciones críticas sobre la condición humana y establecer nuevos modelos de intercambio global.”1

Sébastian Caillat - "Histoire sans gravité"

Esto es algo nuevo en Lima y poco entendible para la gente común. Creo que mucha de la gente que no está interesada en el arte podría nunca entender el significado de los videos de la muestra. Nunca perderían 18 o 12 minutos o 1 hora viendo imágenes o tratando de entender historias que no tienen mucho sentido “convencional”, pero, justamente, de eso se trata. Se trata de no entender y sólo prestar atención al significado de las imágenes que en ese instante se ven, no tratar de analizarlas. Es un medio con el cual te puedes acercar mucho más al arte, ya que no sólo observas la obra, sino también la sientes, ya que los sonidos y las imágenes movibles nos hacen reaccionar mucho más rápido.

Como dice el curador de la exposición, pronto los objetos de arte como pinturas o esculturas dejarán de ser importantes, y todas las obras serán de Video Arte, porque es un medio más complejo y abarca todas las manifestaciones artísticas, ese es, realmente, uno de los grandes logros del arte en el siglo XXI. Los videos que pertenecen a la colección son, básicamente, videos que evidencian la condición humana. Nosotros viendo a nosotros mismos: locura, drogadicción, alienación, dolor o, simplemente, el “pasar el rato”, son temas que se muestran en esta gran colección.

Imperdible. Vayan preparados para pasar buenos ratos sintiendo el Arte en Video o el Video Arte.

VIDEOXXI se conforma de 23 trabajos de video que por primera vez se muestran en Perú. Los artistas participantes de VIDEOXXI en el Centro Fundación Telefónica son: Aernout Mik (Holanda), Joao Onofre (Portugal), Bojan Sarcevic (Bosnia), Nicolaj Larsen (Dinamarca), Dominique González Foerster (Francia), Steve McQueen (Inglaterra), Yto Barrada (Francia/Marruecos), Christoph Rutimann (Suiza), Sébastian Caillat (Francia); y en el MALI: Gillian Wearing (Inglaterra), Hassan Khan (Egipto), Yang Fudong (China), Atlas Group (Líbano), Sebastian Díaz Morales (Argentina), Astrid Nippoldt (Alemania), Sigalit Landau (Israel), De Rijke de Roij (Holanda), Rachel Reupke (Inglaterra), Mario García Torres (México), Fabien Giraud (Francia), Arthur Kleinjan (Holanda), Yael Bartana (Israel), Mark Wallinger, (Inglaterra).

Lugar: Museo de Arte de Lima. MALI/ Centro Cultural Telefónica.
Fecha: Del 8 de julio al 3 de octubre.

Nota: 1. Jose Carlos Mariategui en el Catalogo de la Exposición

Nikolaj Larsen "My cat and I"

Lunatika B-Side

REESTRENO DE "3" ESTE 19 DE JULIO!!!

2010-07-18T21:01:00.001-07:00

Con motivo de la 3era parte del ciclo NUEVO CINE PERUANO, se reestrena "3", de Eduardo Quispe y Jim Marcelo. Lunes 19 de julio, en el Cineclub de la Universidad Cayetano Heredia, a las 7 pm. Dirección: Av. Armendáriz 445, Miraflores. ENTRADA LIBRE.

3 (2010)

Dirección: Eduardo Quispe Alarcón y Jim Marcelo/68 mins/Perú
Producción: Cinestesia producciones, con apoyo de Proyecto Lado B
Edición: Jim Marcelo Santiago, Eduardo Quispe Alarcón
Reparto: Karla Mallma, Giulianna Mallma, Heidi Quinto, Israel Figueroa, Eduardo Quispe, Hugo Palomino, Jackeline Castillo, Miguel Vargas, Karin Paz, Claudia Crespo.

Sinopsis: Una ciudad, un parque, un momento cualquiera. Un grupo de jóvenes limeños dialogan sobre sus vidas y su intimidad, mostrando mundos apartados por las bancas y veredas, pero relacionados por el espacio-tiempo del parque, acercándonos a una mirada microscópica de una realidad generacional que oscila entre la ficción naturalista y el documental.

I AM SOMEBODY!: WATTSTAX (1973)

2010-07-13T20:58:00.000-07:00

"Una expresión espiritual de una experiencia negra". Así define Richard Pryor al Festival de Watts -barrio negro de Los Ángeles- de 1973. WATTSTAX es una combinación de dos palabras en inglés: WATTS, comunidad antes mencionada, protagonista en 1965 de una revuelta en la que la población se levantó en contra de los abusos raciales y la miseria en la que se hallaban sumidos desde siempre; y STAX, que era el nombre de una de las más influyentes firmas discográficas de Rythm and Blues, Soul y Funk en Estados Unidos.

"Hacerlos pensar es un progreso".
Contradicciones, discursos encontrados sin que se noten uno al otro. Testimonios de negros que muestran el orgullo de una época de cambio, un momento en la historia de los Estados Unidos en el que ser negro era sinónimo de poder, de cultura ancestral, de legado espiritual. Pero también de vicios y de malos hábitos, de sensaciones encontradas y de conformismo. Todos los estigmas que acompañan al mito del "hombre negro" en EEUU se muestran en este documental. Y en medio de ellos, en medio de toda la artillería verbal, Richard Pryor, demostrando sus enormes, gigantescas, habilidades como antropólogo no intencionado, como observador de la realidad y como teatralizador de la misma. Pryor utiliza su humor, no exagerado, realista, natural, apoyado en el film con las imágenes de la gente y la calle, como un medio para conocer la actitud, la realidad del hombre negro común y corriente, con una maestría digna de uno de los mejores comediantes de todos los tiempos. Sin duda, salvo por la música, es de lo mejor que hay en esta película de más de una hora y media.

Otra cosa importante, otro elemento destacado de la película, son los diálogos que se muestran en ella. Relatos realistas, descarnados, pero no por ello tristes, sobre lo que significa ser negro, sobre los prejuicios que de ello nace y radica en la sociedad blanca. Podemos ver a gente normal, gente común y corriente hablando de sus problemas y esperanzas, pero también de sus defectos y prejuicios, como el racismo a la inversa que se nota claramente en un momento de la película. "Un hermano puede usar cierto trucos con una blanca y ella sólo dirá sí. Hay ciertos trucos que no se puede usar con una hermana".

WATTSTAX es el registro documental del festival organizado por las agrupaciones pro-derechos humanos de los negros. Se puede ver en ella al reverendo Jesse Jackson, incansable luchador por los derechos de los negros, recitando su poema I am somebody, y comenzando su disertación con el ya famoso "Today is a beautiful day", que el grupo británico Primal Scream usó en alguna de sus canciones. En el festival vemos la partición como organizador, entre otros, de Mario Van Peebles, director de Sweet Sweetback's Baadasssss Song, filme considerado piedra fundacional del movimiento Blaxpoitation. El festival estuvo organizado de manera tal que se le recordara como el "Woodstock negro". Fue una iniciativa arriesgada, las entradas para el festival tuvieron el precio de tan sólo 1 dólar. La filmación estuvo a cargo de Mel Stuart, quien fue el director de la película Willy Wonka and The Chocolate Factory de 1971. El film estuvo nominado al Globo de Oro y llegó a ser expuesta en el Festival de Cannes. Hermosas imágenes, letras impactantes, discursos callejeros, contradictorios, y, sobretodo, excelente música: Isaac Hayes, The Bar-Kays, Albert King, Rufus Thomas y muchos más. Día glorioso en el que hubo Rythm and blues, Soul, Funk, Gospel, etc., pero como diría Jesse Jackson: "They're just labels. We know that music is music".

3 de Eduardo Quispe y la crítica de Cinencuentro

2010-07-10T21:10:00.000-07:00

Reproducimos la crítica de John Campos Gómez sobre la película "3" de Eduardo Quispe y Jim Marcelo, aparecida en la página web de Cinencuentro -http://www.cinencuentro.com/2010/07/10/3-2010/-

3 (2010)
Escrito por John Campos Gómez
Sábado, 10 Julio 2010

A propósito de 1 y 2

3 es la mejor película de Eduardo Quispe. Sus anteriores 1 y 2 tropiezan ambas con sus pretensiones naturalistas, no calificando para tal etiqueta porque emanan disfuerzo. Posan ser trasgresoras no respetando academicismos ni convenciones con una conducta rebelde más que reflexiva. Sus resultados dejan la sensación de estar frente a travesuras audiovisuales en vez de exploraciones artísticas: la cámara se distrae en piruetas sobre los personajes, que parecen estampitas depresivas y no humanas como se pretende. En 1 y 2 la forma le gana al fondo, Eduardo Quispe piensa más en “cómo decir” que en “qué decir”. En esas dos primeras películas, hace pesar más su deseo de alejarse de las convenciones que la aplicación convencida de un estilo propio, lo cual parece estar puliendo con 3, que codirige junto a Jim Marcelo. Hasta entonces lo suyo fue retórica, su discurso no tenía congruencia con sus imágenes, sin embargo, aunque fallidamente, ya había perfilado su visión del cine. Recién con 3 la pudo sustentar.

Apuntemos que el principal yerro de ejecución de sus dos primeros largos fue la manipulación de la realidad, que él quiere pura, para ensamblarla en relatos de vagabundeo y tedio. El intento insatisface, comprobando que Quispe no es un narrador. 3 lo reafirma, porque es una buena película no-narrativa.

Las imágenes fugaces de una Lima lúgubre y ruidosa se funden con las circunstancias aparentemente calmas que suceden en un parque. No se hace contraste entre la ciudad y el parque porque se les considera un solo ambiente, asimismo no se contrasta a las personas con los elementos que las rodean. Todo forma parte de una sola realidad, donde no hay protagonistas, por eso, la cámara se posa irregular en los rostros que hablan, en los árboles que los acompañan y en los espacios verdes que los acogen, por ratos la imagen se desenfoca y su sonido se distorsiona: la cámara intenta emular nuestros sentidos.

A su paso, esa cámara captura sensaciones, declaraciones, luces de faroles, ruidos de taxis y soplo de viento, ninguno más importante que el otro. Ante esa escena ‘natural’, la influencia de los directores se reduce a la de facilitadores de los figurantes, quienes se guían sólo de sus emociones. Quispe y Marcelo en pleno rodaje, a lo mucho, marcan la pauta del concepto mas no de la acción dramática.

La poca, aunque precisa, intervención de los directores en el desenvolvimiento de los sucesos es notoria. Prácticamente, 3 no está dirigida sino, más bien, aplicada desde un planteamiento. Los directores dejan que sucedan cosas, que se exterioricen comportamientos, están ahí para su recolección, cuales cazadores de ‘momentos únicos’.

Lo circunstancial resulta ser enriquecedor y determinante en 3, más aun si contamos con que está grabada en un solo plano. Desde esa intención comprendemos que cualquier imponderable está previsto, aunque suene contradictorio. El tándem, al planear la película en un solo shot, queda a la espera de sorpresas en el intervalo para (a)cogerlas en su metraje. Es como estar preparados para la suerte.

Bien concebidas las escenas de conversaciones, naturales y espontáneas, sin embargo, aún están en deuda en las que no utilizan diálogos. En esas se nos exige atención en detalles de largas escenas silenciosas, en las cuales se quiere comunicar sensaciones corporal y psicológicamente, empero no demandan de tanta parsimonia para ser efectivas. La mirada se pierde, rehúye al blanco, si se le exige acomodarse por mucho tiempo en un punto fijo muy general en pos de percibir sus detalles. Y es que los actos son más explícitos que las palabras, por lo que una secuencia de sólo gesticulaciones sería de mejor asimilación si fuera escueta y contundente en sus sugerencias. Sin duda, los momentos débiles de la película son los silentes, acaso por ser los más presumidos.

Igualmente, 3 es única en su especie en el cine peruano. Supera por amplio margen a sus predecesoras y confirma a sus autores como nombres de interés en la cinematografía local. Quedamos listos a la espera de 4.

3 (2010)

Dir: Eduardo Quispe Alarcón y Jim Marcelo/68 mins/Perú

Producción: Cinestesia producciones, con apoyo de Proyecto Lado B

Edición: Jim Marcelo Santiago, Eduardo Quispe Alarcón

Reparto: Karla Mallma, Giulianna Mallma, Heidi Quinto, Israel Figueroa, Eduardo Quispe, Hugo Palomino, Jackeline Castillo, Miguel Vargas, Karin Paz, Claudia Crespo.

La búsqueda de la memoria: WALTZ WITH BASHIR

2010-07-10T09:47:00.000-07:00

WALTZ WITH BASHIR
Director: Ari Folman
País: Israel
Año: 2008

Primero, un poco de historia. En 1982, en el Líbano existían dos facciones: los social demócratas cristianos, la Falange Libanesa, con su líder Bashir Gemayel; y la facción radical izquierdista musulmana, con influencia y ayuda de la OLP. Bashir elegido presidente del Líbano en agosto de 1982, en medio de una guerra civil y con la intervención militar de Israel y Siria. En septiembre, Bashir es asesinado por la explosión de una bomba. Este atentado enfureció a los miembros militares de la Falange y culparon a la OLP y sus aliados. Las fuerzas israelíes cercaron los campamentos civiles de refugiados palestinos de Sabra y Shatila; los miembros de las Fuerzas Libanesas, brazo militar de la Falange, ingresaron a los campos con el objetivo de buscar y capturar a los culpables del atentado y llevarlos ante las fuerzas israelíes. El resultado fue el asesinato de entre 1200 a 1400 personas palestinas entre adultos, jóvenes y niños. El hecho fue calificado como Genocidio por parte de la ONU, y además se culpó a las fuerzas armadas de Israel de no impedirlo, pudiendo hacerlo cuando ya se tenía conocimiento de lo que estaba ocurriendo.

Hay momentos en que la memoria se extravía. La memoria elige ciertos recuerdos a esconder, para así protegernos con un mecanismo de autodefensa que, muchas veces, no comprendemos. Al contrario, la muerte siempre nos recuerda que estamos aquí para ella. Es lo único certero en la vida. La muerte y las variantes de su presencia. Asesinar a un perro, a un ser humano, quitar vidas. La memoria es a veces protectora, a veces amiga de la muerte. WALTZ WITH BASHIR es una película de animación diferente, que denuncia los traumas de la guerra en el Líbano, la muerte y destrucción de Beirut, y, sobretodo, la masacre de Sabra y Shatila.

La película es la búsqueda del recuerdo, la búsqueda y reconstrucción de la memoria, a través de un flashback de la matanza antes citada. Tres jóvenes desnudos en el mar al anochecer, caminando como quien arrastra el espíritu y encontrándose con el dolor personificado en las mujeres histéricas por la muerte de los seres amados y por la indignación. Empieza el viaje a través de recuerdos que no quieren ser revividos por los que los guardan, las preguntas que incomodan, los olvidos que se acomodan. Una de las cosas interesantes de la película es que se trata del retrato animado de muchos personajes reales. Ari Folman, el director, se retrata como él mismo, ya que fue soldado de reserva en el ejército israelí durante la guerra en el Líbano, y también lo hace con la mayoría de los demás personajes de la película. Recuerdos que se unen y contraponen, respuestas que surgen y que hacen emerger más preguntas. La denuncia a los excesos y la brutalidad de una guerra civil, religiosa y separatista, es una de las columnas en la que se apoya; la otra es el viaje por la memoria.

La banda sonora de la película está bien: OMD, Public Image Limited, etc., viajan como balas en el momento preciso. La película nos muestra también los personajes viciosos y envilecidos en los que se vuelven los soldados en el frente de batalla. Nos muestra como el ser humano es trastocado en todo su ser al enfrentarse a situaciones desesperadas y desconocidas; ausencia presencial de los soldados israelíes en una pelea que no es la suya, por bandos a los que no pertenecen. La guerra es un ente que tiene vida propia y destruye todo a su alrededor.

Trailer

Pueden descargar la película desde estos links. Yo no lo he subido, asi que los créditos a la persona (as) que la subieron.
http://rapidshare.com/files/199390355/Waltz.With.Bashir.LIMITED.DVDRip.XviD-DMT.part1.rar
http://rapidshare.com/files/199390640/Waltz.With.Bashir.LIMITED.DVDRip.XviD-DMT.part2.rar
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Subtitulos:
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INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN "HABITACIÓN 2012"

2010-07-04T15:39:00.000-07:00

Inauguración de la exposición "Habitación 2012", de Jim Marcelo Santiago y María Sarango Velasquez. El evento será el día miércoles 14 de julio a las 7 pm, en la Galería "Le Carré d' Art", de la Alianza Francesa, Sede la Molina -Av. Javier Prado Este 5595-. El ingreso es LIBRE. Aquí reproducimos el manifiesto del curador de la exposición, Eduardo Quispe Alarcón.

Habitación 2012 aprovecha la mística escatológica atribuida a ese año, para llevar a una reflexión sobre el destino de la humanidad, dejando de lado supersticiones, lo esotérico, y lo apocalíptico. En el proyecto, la predicción del cataclismo mundial se da en el campo social y espiritual del hombre y no a través de desastres de origen divino.

Se presenta una instalación que recrea una habitación, mostrando signos de una existencia humana totalmente sumida en el metaverso, en la realidad virtual y controlada totalmente por los medios de comunicación y entretenimiento, que es un paso que el hombre ya ha dado en el aspecto tecnológico, conforme a la cultura de consumo; reconfigurando el concepto de individuo y sus interrelaciones, de modo que el proceso de enajenación de la sociedad se ha acelerado, conforme al ritmo que muestra en la actualidad.

Si en estos días el uso y dominio de internet es indispensable para formar parte de la aldea mundial. En el cercano 2012 el medio ha absorbido a los usuarios, formando una sociedad de idiotas funcionales; donde los individuos son útiles para realizar encargos y demás quehaceres ocupacionales, pero que han dejado de ser humanos integrales; con la capacidad de decidir fuera de su campo laboral o del mundo virtual. Han abandonado su alma, el pensamiento crítico, su desarrollo social, emocional e intelectual, reconfigurando el significado de espiritualidad y metafísica.

Los indicadores de cotidianidad presentes en la instalación; personajes ausentes, pero presentes a través de sus rastros, nos contextualiza una realidad actual, que evidencia los resultados que en la muestra se predicen, y nos invita a reflexionar sobre el rumbo de nuestra sociedad, como individuos, conforme a nuestros hábitos de consumo y de relacionarnos en la era de la revolución informática y mediática.

Eduardo Quispe Alarcón
Curador

LA LISTA NEGRA: ¿Y LUEGO QUÉ VENDRÁ?

2010-07-03T09:07:00.000-07:00

Ayer, viernes 02 de julio del 2010, el diario Perú21 publicó la siguiente noticia
http://peru21.pe/noticia/504276/docentes-pasado-subversivo-no-podran-ejercer

Si se trata de separar de la actividad docente a un individuo que hace propaganda subversiva, que hace apología de los actos violentos cometidos por Sendero Luminoso o el MRTA, o que incita a sus alumnos a integrarse a estos grupos violentistas para formar los nuevos cuadros que "llegarán al poder a través de la guerra popular", sería una medida correcta. En resumen, una medida correcta toda vez que el acto delictivo o negligente -por decirlo menos- sea comprobado. Pero, luego en la nota del diario, al final se lee "El decreto también señala que los condenados por delitos vinculados al terrorismo “no podrán ingresar ni reingresar al servicio (del sector Educación), aun cuando hayan sido declarados rehabilitados por la autoridad jurisdiccional correspondiente.”"

¿Y luego que vendrá? ¿Registrar a los profesores por la religión que profesan? ¿O hacer una lista con todos los que hayan sido acusados de senderistas? ¿Importa que muchas de las acusaciones hayan sido falsas y atribuidas a personas que, no sólo son inocentes, sino que han sido maltratados y humillados en la cárcel? Tal vez, más adelante, tengamos que poner nuestros nombres en una tabla para conseguir trabajo, y ni que decir del trabajar en el estado. Nos veremos obligados a decir si somos homosexuales o no, católicos o evangelistas, si somos de izquierda o derecha, y si lo somos por qué lo somos, y si no, por qué no lo somos. Yo trabajo en una entidad del estado, pero también tuve participación política activa en la UNMSM ¿También tengo que ser analizado por eso más que por mi capacidad? ¿Eso disminuye mis habilidades? Lo que trata de hacer el gobierno es un despropósito toda vez que se atenta contra el derecho de los hombres libres a poder hacer su vida nuevamente luego de pagar una pena, luego de cumplir una condena. Miles de peruanos, de todos los bandos, han sido acusados, injustamente, de delincuentes, asesinos, torturadores, etc., durante el período de la violencia terrorista. La sospecha y el prejuicio eran las armas que ambos bandos utilizaron la mayoría de veces. La presunción y acusación por ser de determinado color, posición u origen, de ser terrorista o de ser un perro burgués, fue el único fundamento para crímenes como, por ejemplo, los de La Cantuta –asesinato de 9 estudiantes y un profesor por parte del grupo paramilitar estatal “Colina”- o Lucanamarca –masacre de 69 campesinos por Sendero Luminoso-. Ahora se pretende tener una barrera en el sector educación contra aquellos individuos que cumplieron una pena y que quieren reintegrarse a la sociedad. No hablo de aquellos que aún no renuncian a seguir cometiendo actos delincuenciales, mi voz apoya a aquel que se reintegró, asumió las culpas de sus acciones y merecen otra oportunidad luego de pagar sus condenas. La preservación del estado de derecho, de la libertad democrática, no debería basarse en políticas o métodos tan fascistas como el que se quiere imponer en la educación peruana. De ser así podríamos esperar que un mismo filtro se aplique en la administración pública, pero entonces Alan García no tendría a su alfil Kouri en carrera a la Municipalidad de Lima. ¿O no?

RETROSPECTIVA DEL CINE DEL GRUPO CHASKI

2010-07-01T21:57:00.000-07:00

Querid@s lector@s... reproducimos una noticia aparecida el día de hoy en la página web de ANDINA, Agencia Peruana de Noticias.

Presentan Muestra “Una mirada al Perú-Retrospectiva: el cine junto al pueblo”

Lima, jul. 01 (ANDINA). La Red Nacional de Microcines Chaski presentará este mes la Muestra de Cine “Una mirada al Perú-Retrospectiva Grupo Chaski: El cine junto al pueblo”. La programación se inaugurará el sábado 3 de julio en los diferentes Microcines de Lima y provincias.

Con esta Muestra se pretende celebrar la historia y el trabajo de un grupo de comunicadores sociales, que produjeron, entre otras películas Gregorio (1985) y Juliana (1988), las cuales son consideradas como unas de las mejores, las más premiadas y las más vistas en la toda la historia de la cinematografía peruana.

La intención de esta muestra es recordar, para incentivar un cine que se acerque a la gente, su realidad, sus esperanzas y sus sueños.

Entre las películas que se exhibirán se encuentran los largometrajes Gregorio, Juliana y Sueños Lejanos y los cortos Sobreviviente de oficio, Margot la del circo y Encuentro de hombrecitos.

El año 2004 el Grupo Chaski inició la implementación de una Red descentralizada de Microcines en el Perú, con la intención de crear espacios de encuentro y participación comunitaria donde se exhiban películas que fomenten valores, reflexión y sano entretenimiento.

(FIN) NDP/RES

AWAYDAYS

2010-06-30T22:18:00.000-07:00

Inglaterra, 1979. La violencia en los estadios comienza a nacer. La necesidad de ser aceptado, de encajar, de pertenecer, también. Suenan Ultravox y Magazine. El ambiente under del post-punk hace presa de los jóvenes... y ellos no pueden resistir. Suenan The Rascals con un golpe de bajo que trata de emular a Joy Division. "See you at the barricades babe... someday when the sky turns black". Carty y Elvis se encuentran, intiman. Carty quiere pertenecer, sentir vida en él. La Inglaterra que vive no es suficiente. La realidad llena de concreto e industria llena de desconcierto y de dudas la mente del joven: "Listen to the music the machine makes". La búsqueda de la identidad es otra piedra angular en la película, la búsqueda se personifica en Elvis. Elvis es el guía pero a la vez la indecisión. Busca su propio yo, sabe donde encontrarlo, pero a la vez lo oculta apelando a la violencia, la violencia que lo hace pertenecer a algo, en vez de asumir lo que lo alejará de todos. Carty agrede a un vendedor amanerado en una tienda de discos sólo para ser atendido, sólo para hacer sentir que está presente. La violencia efectiva demostrada sólo en una escena, una escena simple para dejar claro la intensidad de la juventud. Carty entra en el camino de la agresión: "young savage, young savage, anything goes where no one knows your name". La película también nos muestra el nacimiento de las bandas de hooligans en Inglaterra, determinada por la manera de vestir (casacas y zapatillas deportivas -ADIDAS, por cierto-), el peinado y el uso de navajas de mango de plástico: la moda casual que se enfrentará a la creciente oleada skinhead. La película además tiene una de las mejores escenas de pelea que haya visto, no por el realismo ni la intensidad, sino por el uso de la música de fondo, no incidental, ni de adorno, sino puro y constante post-punk: Magazine suena demasiado bien en esta parte.

No sé si alguna vez, quizá, tal vez, alguna vez alguno de nuestros directores de cine pueda darnos una buena banda sonora, una banda sonora diferente. Escuchar en una película callejera como AWAYDAYS canciones de Joy Division, Ultravox, Magazine, Echo and The Bunnymen, The Cure, es uno de los méritos de la película, puesto que lo normal sería escuchar canciones de la entonces naciente oleada del Oi: Sham69, Cock Sparrer u otros. AWAYDAYS es una película que se enmarca dentro de las llamadas películas de hoolingans, que buscan dejar un mensaje, la mayoría de veces referido a negar la violencia, condenarla. Pero AWAYDAYS es un poco más que eso: nos muestra la duda, la búsqueda de identidad y pertenencia, el axioma "Vive cada momento como si fuera un regalo preciado" como el motor de la existencia de la juventud; pero también -al final de la película- nos mostrará la negación de la existencia y del propio ser, el vacío que deja en el corazón el saberse diferente y no poder luchar contra eso. La relación Carty - Elvis es el eje de la película, cada quien con su propia lucha, cada quien contra sus propios demonios. El guía y el aprendiz se mezclan en una relación confusa y con diferentes matices. No es una película hooligan normal, común o corriente. AWAYDAYS es una muestra del camino lleno de dudas que tiene que andar el ser humano.

Dato: En la jerga del football en Inglaterra, AWAYDAYS significa "los días de visitante".

Links de descarga
Créditos a las personas que subieron la película. Está subtitulada.
http://freakshare.net/files/dl8jujiy/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part1.rar.html
http://freakshare.net/files/n3sw6dts/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part2.rar.html
http://freakshare.net/files/p5rg7sfo/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part3.rar.html
http://freakshare.net/files/xgbbwlqp/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part4.rar.html
http://freakshare.net/files/yga82n19/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part5.rar.html
http://freakshare.net/files/yzsvdrrb/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part6.rar.html
http://freakshare.net/files/3gzl0k9s/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part7.rar.html
http://freakshare.net/files/vf5o7pgp/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMT.part8.rar.html
http://freakshare.net/files/fjja6w27/Awaydays_LIMITED_DVDRip_XviD-DMTsubesp.zip.html

"SENDERO NUNCA DEJÓ DE CAPTAR ESTUDIANTES"

2010-06-29T11:11:00.000-07:00

Reproducimos la entrevista realizada a Marco Miyashiro -Viceministro de Orden Interno- por el periodista Emilio Camacho en el diario Peru21 del día domingo 27 de junio. Es el mejor análisis y explicación sobre los acontecimientos que se han venido dando en la UNMSM y en el que se vinculan a alumnos con Sendero Luminoso. Repetimos, para nosotros es la mejor visión sobre estos problemas.

Dom.27-jun-2010

Marco Miyashiro, viceministro de Orden Interno y experto en la lucha contra Sendero Luminoso, hace precisiones sobre presencia terrorista en universidades y legislación antisubversiva. Autor: Emilio Camacho

Todavía es el 'Químico’, uno de los agentes del GEIN que intervino en la captura de Abimael Guzmán. Y es con esta autoridad que Marco Miyashiro, número 2 en el Ministerio del Interior, habla sobre terrorismo, con mucha cautela y sin apasionamiento.

¿Sendero Luminoso es, en este momento, una amenaza militar o una amenaza política?
Toda forma de criminalidad organizada constituye una amenaza. Pero que sea una amenaza para el sistema democrático; eso no, señor, en eso soy categórico. Es una amenaza para algunos focos geográficos como el VRAE o el Huallaga, y a nivel nacional constituye una situación, no de amenaza, sino de riesgo potencial.

¿No es lo mismo?
No. Una amenaza ya trae peligro e inseguridad, y un riesgo potencial es algo que todavía no existe, pero que podría ser el inicio de un peligro.

Si Sendero no es una amenaza, ¿qué hace en las universidades?
Allí hay dos situaciones que analizar. Por qué en determinados lugares sí están presentes y en otros no. ¿Y por qué aparecen en San Marcos? Bueno, hacía poco que se había realizado la elección del federado de Ciencias Sociales, a nivel de profesores, y la lista que ganó no era de conveniencia de otros grupos que también querían su cupo de poder dentro de la universidad. Son estos grupos de opositores los que invitan a determinados conferenciantes para hacer quedar mal a su rival.

¿Me está diciendo que lo que se ha visto en San Marcos responde a pugnas internas?
Mire, señor, para ser más exacto, los estudiantes de San Marcos se han dado cuenta de que los terroristas son una carga muy pesada de llevar, estorban, pero hay grupúsculos que todavía se aferran a ellos porque tienen determinada ganancia al hacerlo. Y eso no solo pasa en las universidades, pasa lo mismo en el VRAE o el Huallaga, donde los narcotraficantes, para poder afianzarse, buscan a Sendero y le dan cabida. Las prácticas terroristas en las que sumergieron a los valles andinos ya no se aplican porque los propios campesinos rechazan a Sendero. ¿Y quiénes están a favor de ellos? Los que se dedican al tráfico de madera, de combustible, a los delitos perseguidos por el Estado.

¿Sendero tiene presencia en otras universidades?
Yo no diría que tienen cosas en otras universidades. Son porcentajes totalmente ridículos dentro de una organización. Los estudiantes sanos siempre van a rechazarlos…

¿No está minimizando el asunto?, ¿no es igual de peligroso que haya 20 o 30 personas haciendo activismo a favor de Sendero?
Mire, lo que usted dice es cierto, y no lo niego. Pero en todas las entrevistas que me hacen, me dejan la impresión de que hablar de San Marcos es hablar de una universidad terrorista, y eso es totalmente falso. Hay que respetar a los estudiantes que están dentro de la senda correcta.

De acuerdo, pero no me ha respondido, ¿hay grupos pro senderistas en otras universidades?
El espacio universitario es un lugar donde ellos están insertados, al igual que en academias preuniversitarias, organizaciones gremiales y agrupaciones culturales.

¿Y todos están detectados?

Yo no podría afirmar eso. La clandestinidad es una de sus armas, pero sí le puedo asegurar que Inteligencia está detrás de ellos. Queremos que la historia nefasta de Sendero no se repita.

¿En estos grupos pro senderistas hay excarcelados por terrorismo?
Sí, señor. Eso lo tenemos en tres casos específicos. Uno de ellos cayó en el 2007, cuando fue abatido el terrorista 'JL’, durante el plan de operaciones Volcán realizado en el Huallaga. Otro fue intervenido cuando actuaba como apoyo logístico, y el tercero murió, pero lastimosamente fue confundido con otro liberado que estaba realizando actividades legales. Al final, la Policía determinó que el cadáver correspondía a otro liberado.

Si hay gente que salió de las cárceles y se reintegró a Sendero, ¿usted diría que la resocialización de los terroristas es imposible?
No, señor. En el derecho penal está contemplada la figura de la reincidencia y la reiterancia. Aquel que comete un delito y cumple su condena, ya ha pagado la sanción que le impone el Estado y debería volver a una vida legal. El problema es que en el delito contra el patrimonio son muchos los casos de asaltantes que vuelven a las andadas y en terrorismo ocurre lo mismo.

Y si hay casos de terroristas liberados que se reintegran a Sendero, ¿piensa que fue un exceso darles facilidades carcelarias?
Yo conozco el caso de varias personas que habiendo sido terroristas, y habiendo sido objeto de algún beneficio, una vez obtenida la libertad se volvieron personas de bien y se encuentran luchando por el desarrollo de sus pueblos.

¿Eso se da en la mayoría de casos?
Yo le hablo de tres casos que conozco personalmente. Incluso hay el caso de un dirigente del MRTA, que habiendo cumplido su sentencia, fue elegido alcalde y convirtió a su pueblo en un centro turístico de mucha relevancia.

Quiero insistir con esto, ¿los terroristas que se resocializan son la mayoría o la minoría?
Mayoría o minoría, pienso que no es bueno generalizar. Si generalizamos podemos cometer errores gravísimos, como los que se dieron al principio de la lucha contra el terrorismo, cuando en los ochenta se decía que todas las personas que procedían de un determinado departamento eran terroristas. Esas generalizaciones nunca son convenientes.

La revista Caretas informó esta semana que un dirigente estudiantil de la universidad de Huamanga acudió a un campamento senderista en el VRAE. ¿Esta presencia de universitarios en campamentos terroristas es nueva?
Había un dirigente comunista que decía que si eres revolucionario a los veinte años, está muy bien porque todo joven debe ser revolucionario, pero si eres revolucionario a los cuarenta eres un imbécil. Los jóvenes tienen esa característica, quieren cambiar el mundo, y la falta de vivencias los lleva por caminos errados. Ellos se dejan llevar por su pasión y su inmadurez.

¿Me parece o está justificando que los universitarios se pasen al bando de Sendero?
De ninguna manera lo justifico, pero esto es parte de la estrategia senderista. Hacían lo mismo en las academias preuniversitarias, como la César Vallejo. Utilizan un proceso de captación en el que engatusan a los jóvenes.

¿Entonces Sendero ha vuelto a utilizar este proceso de captación?
Nunca ha dejado de hacerlo. Para eso cuenta con aparatos de fachada, como las organizaciones que agrupan a los familiares de los presos por terrorismo, con las que exigen que se les trate como presos políticos.

¿Por qué somos el principal productor de hoja de coca en el mundo?
No lo somos. Pero, ¿estar primero, segundo o tercero en la producción implicaría algo para el país? Desde que yo era cadete se decía que PBC, además de Pasta Básica de Cocaína, significaba Perú, Bolivia y Colombia. Y esos tres países sufren el efecto globo (que aumenta los cultivos en un país, cuando se reducen en otro). Si pudiéramos contar con los recursos que tiene Colombia, creo que los resultados serían mejores para nosotros. El enfoque de este problema debe ser global, en los tres países.

¿Diría, en general, que los policías están bien capacitados?
Hay suboficiales que están preparados exclusivamente para algunas tareas. El personal de la Dirección Antidrogas, por ejemplo, cuenta con el apoyo de la DEA (la agencia antinarcóticos de Estados Unidos).

¿Y qué pasa con los policías que hacen patrullaje a pie? Se dice que no hacen una sola práctica de tiro durante el año.
Hay mucho de cierto en lo que dice. Hay graves limitaciones de orden presupuestario y de orden gerencial.

¿Qué porcentaje de efectivos no hacen práctica de tiro?
No tengo ese dato a la mano.

Hay quienes creen que si no existiera el Serenazgo, la ciudad sería un caos, que la Policía no se daría abasto. ¿Qué piensa usted?
Yo le daría la razón a esos ciudadanos. El Serenazgo da un servicio rápido, y hay que reconocer la efectividad que han desarrollado. Pero me pregunto qué pasaría si los municipios le dieran a la Policía los recursos que le dan a Serenazgo. Quizá eso sería mejor.

¿Por qué se demoran tanto en capturar a José Enrique Crousillat?
Ese es un caso que ve directamente la Policía Nacional, no depende del viceministerio.

¿Le siguen diciendo el 'Químico’?
El 'Químico’ fue un apelativo que utilicé en una sola operación (la captura de Abimael Guzmán). Cuando dejamos eso cambiamos de chapa.

¿Se sigue viendo con sus ex colegas del GEIN (el grupo de Inteligencia que capturó a Guzmán)?
Los que continúan en la Dirección Contra el Terrorismo son muy buenos amigos míos, también el actual comisario de San Isidro.

¿Y el coronel Benedicto Jiménez?
Claro que es mi amigo. He tenido el honor de que me visite varias veces en mi despacho. Esa no fue una amistad que se construyó tomando un café, tiene toda una mística.

¿Qué piensa de las facilidades que se le han dado a Abimael Guzmán para que se case?
Si Guzmán quiere casarse, debería decir dónde está el cadáver de su esposa asesinada, Augusta La Torre. Ella fue asesinada y su cadáver fue desaparecido por orden del propio Guzmán.

Y él ha declarado la muerte legal de Augusta La Torre para casarse...
Quién es él para decir que su mujer ha muerto. Es un solo dicho que ha motivado una resolución judicial.

Los fujimoristas se atribuyen la paternidad de la captura de Abimael Guzmán, dicen que le dieron al GEIN las facilidades que necesitaba.
Aquí hay que aclarar dos cosas. El principal apoyo lo dio la Inteligencia Naval, que no era el Servicio de Inteligencia Nacional (SIN). No fue Montesinos, sino la Inteligencia Naval la que nos dio apoyo logístico, la que nos abrió los brazos. Pero sí hubo apoyo político, las leyes que dio el fujimorismo nos permitieron contar con herramientas legales. Pero esa legislación respondía a un determinado momento. Primero era necesario endurecer la legislación, y luego ir ablandándola para adecuarla al derecho internacional.

¿Entonces Toledo y Paniagua acertaron al hacer los cambios que hicieron en las leyes antiterroristas?
La reacción de Toledo fue tardía. La falta de defensa del Estado motivó que las denuncias de los terroristas tuvieran validez en la Corte Interamericana.

Si el Apra se lo propusiera, ¿aceptaría ser ministro del Interior?
Tendría que ver las condiciones. Pero en estos días han salido publicaciones en las que me dan como el reemplazo del ministro, cuando yo debo ser su mano derecha o su mano izquierda.

¿Lo han indispuesto con el ministro Octavio Salazar?
No, no. Pero tengo varios amigos que me dicen: Oye Chino, qué buen serrucho tienes. Es por eso que me incomodan los comentarios en la prensa.

Quizá esperan que se coloque el fajín de una vez.
Pero yo no. Antes de tomar alguna decisión, yo consulto con mi esposa. Pueden decirme sacolargo, pero cada quien es feliz a su manera.

ZARABANDA LUMINOSA

2010-06-29T10:42:00.000-07:00

En los últimos días, hechos acaecidos en la Universidad Nacional Mayor De San Marcos han despertado el interés de los medios, y, por ende, el de la sociedad, por la práctica política, e ideológica, ejercida en el interior de la misma. Me refiero, por supuesto, a la manifestación hecha en los predios de las facultades de derecho, y ciencias sociales, de la universidad, por parte de simpatizantes del Movimiento Por La Amnistía Y Derechos Fundamentales.

Estos acontecimientos han despertado diversos comentarios, y análisis de connotados especialistas en el tema (por ejemplo, los, por demás, recomendables artículos de opinión de Sinesio López, y Rocío Silva Santisteban, publicados en el diario: La República, los días viernes 18, y domingo 20, respectivamente). Pero, también, han despertado, en amplios sectores de la sociedad peruana, viejos temores, y reacciones que lindan con lo que Flores Galindo llamó: la tradición autoritaria (entre ellas la de César Hildebrandt).

La manifestación promovida por el Movimiento Por La Amnistía Y Derechos Fundamentales (movimiento impulsado por Manuel Fajardo, y Alfredo Crespo, y que pretende ser el brazo político legal de lo que fue Sendero Luminoso) denota, en primer lugar, un problema estructural en la izquierda peruana: el anquilosamiento de los discursos. Este hecho se evidencia en el manejo, persistente, del discurso estalinista, y maoísta (discurso configurado en el imaginario político de un sector de la izquierda peruana, y que está relacionado con el discurso de Sendero Luminoso), y que, el mismo, todavía, se le considere como una posibilidad, o altenativa ideológica, a tomar en cuenta para la construcción de proyectos políticos (un problema planteado por este hecho es el porqué, en la actualidad, todavía persisten, consistentemente, en minoritarios sectores de la sociedad política, discursos ideológicos de tendencia estalinista, maoísta, o, para otros casos, patologías ideológicas como el neo fascismo, el fujimorismo, o el aprismo criollo del perro del hortelano. Problema, considero, que está relacionado con la imposibilidad de construir un proyecto político nacional, y, en consecuencia, con la falta de identidad, y de consciencia histórica -lo que explica, por ejemplo, que, un personaje de triste, indignante, y deleznable, recuerdo para la historia del Perú como Alan García Pérez, haya sido elegido presidente en el año 2006, o que exista la posibilidad de que Alex Kouri, y Keiko Fujimori, sean elegidos alcalde de Lima, y presidenta del Perú, en los años 2010, y 2011, respectivamente).

Una vez dicho esto, en segundo lugar, es necesario señalar que, estas personas, considero, no han cometido delito alguno.

Uno de los derechos fundamentales del hombre es la libertad de pensamiento, y expresión. Las personas pueden pensar, y expresarse, de acuerdo a lo que ellos piensen como correcto, o necesario. Las personas pueden pensar, expresarse, u optar políticamente, de manera libre. No se puede obligar a las personas a pensar de una determinada manera, u otra.

No se puede reprimir el libre pensamiento.

Por lo mismo considero que, estas personas (vinculadas al M.A.D.F.), tienen todo el derecho de pensar, y expresarse libremente. Así como lo tendrían, por ejemplo, los neo fascistas, o los fujimoristas.

No se les puede reprimir, ni coactar, su libertad (muy diferente hubiera sido el caso si, por ejemplo, estas personas, hubieran cometido actos de terrorismo - actos llevados a cabo por Sendero Luminoso, y las fuerzas armadas, en los años 80, e inicios de los 90- durante su manifestación en las instalaciones de la universidad).

Lo cual no significa que este pensamiento (nefasto para la historia política peruana, así como lo es el fujimorismo, el aprismo criollo del perro del hortelano, o lo podría ser el neo fascismo) no tenga que ser combatido ferozmente por intelectuales, políticos, y ciudadanía en general, en diferentes ámbitos de la sociedad.

Pero, el combate, es político, e ideológico.

Nunca se debe dar desde el autoritarismo, y la represión política, e ideológica. Nunca desde la miseria, y la podredumbre, del pensamiento único. Nunca desde la imposición totalitaria, y fascista.

Lamentablemente el terrorismo mediático (ejercido por el gobierno de turno, y los medios de comunicación), ha generado que, viejos miedos (miedo convertido en odio, racismo, y discriminación -como en el caso reciente de la Sra. Lori Berenson-, problemas propios de un país cuya realidad se asemeja a una pesadilla kafkiana) direccionen, nuevamente, a la sociedad peruana hacia ideas, y prácticas, autoritarias, propias del imaginario nacional.

LAET

ENTREVISTA A EDUARDO QUISPE EN CINENCUENTRO

2010-06-28T08:35:00.000-07:00

Querid@s y valientes lectores... Acá publicamos una entrevista que le hizo John Campos Gómez a Eduardo Quispe, director de la película peruana "3". La entrevista pueden encontrarla en la página web de Cinencuentro, http://www.cinencuentro.com/2010/06/26/entrevista-eduardo-quispe-director-3/ ...La reproducimos en su integridad sin alterarla.

ENTREVISTA A EDUARDO QUISPE, DIRECTOR DE 3
Escrito por John Campos Gómez
Sábado, 26 Junio 2010

En la última fecha, 7 de julio, del ciclo “Un Nuevo Cine Peruano”, que se realiza en la UTP, se presentará -en el auditorio “Angélica Gallegos Escobedo”- el único estreno previsto para este marco. Se trata de “3″, de Eduardo Quispe, el mismo autor de “1″ y “2″, que pudimos ver el año pasado en el Festival de Cine Limeño, realizado en esa misma universidad. A propósito de este estreno, le hicimos una entrevista en la se habló sobre el proceso de grabación de esta película y, sobre todo, temas de fondo del cine peruano.

¿Alguna nueva exploración en “3” con respecto a tus dos películas anteriores?

Eduardo Quispe (EQ): Bueno, esta vez trabajé con más de 10 personas (normalmente trabajo con menos de 5) lo que puso a prueba mi capacidad comunicativa y organizativa, ya que trabajamos siempre sin guión. El borrador de la película nos sirve de punto de partida para que los participantes confluyamos ideas y realicemos varios procesos creativos paralelos. Jim y yo nos limitamos a canalizar ese torrente creativo hacia la dirección de la idea central de la película. La gente que trabaja con nosotros no cobra un sol, apenas si le retribuimos pasándoles películas, invitándoles pizza, alguna cena con su pisco sour, etc. Eso quiere decir que ellos creen tanto en este proyecto como nosotros; le ponen su entusiasmo, esfuerzo y su ingenio. Es prácticamente una obra colectiva, donde mi rol de director es más de motivador y facilitador.

“3” es una película sobre la realidad generacional de los jóvenes limeños; tratamos de recrear una noche cualquiera en un parque, siempre en la onda de la ficción naturalista y el documental/experimental que ya utilizamos en las películas anteriores. Nuestra temática sigue girando en torno a las dificultades en las relaciones, en una ciudad conservadora que ha sido mediatizada y que le cuesta adaptarse a tan rápidos cambios de paradigmas sociales.

¿Cuál fue la modalidad de grabación para esta película?

EQ: En esta ocasión grabamos casi toda la película de una sola toma secuencia. Como eso no es tan novedoso, buscamos la forma de darle nuestro toque original, y bueno, el resultado me dejó satisfecho. Gastamos más que en las dos películas anteriores juntas, tuvimos que grabar todo en 3 ocasiones, y tuvimos muchas dificultades, para reunir a toda la gente, para coordinar los diálogos, el nivel de participación de cada uno, pues no todos coincidíamos en el mismo horario de las reuniones y ensayos, algunos ya no pudieron participar por diferentes razones, tuve un grave problema de salud que me llevó al quirófano, falleció la madre de uno de los participantes, hubo problemas personales entre algunos miembros del elenco, entre otras cosas. Me imagino que son dificultades propias de grabar de ese modo, pero a pesar de las complicaciones, fue una buena experiencia y felizmente todo llegó a buen puerto.

Si contaras con un presupuesto más holgado, ¿saldrías del digital? O crees que este soporte tiene una personalidad propia que va con tu sensibilidad.

EQ: Si tuviera una considerable suma de dinero, encontraría una excusa para traer a Charlotte Gainsbourg, no sé, me encanta esa mujer. Nunca dejaré el soporte digital, es cuestión de principios, no sólo de sensibilidad o dinero. Si tuviera más presupuesto lo usaría para la distribución; hacer mis películas más accesibles a la gente. Por ejemplo, sacar de forma masiva ediciones de DVD de buena calidad, que cuesten 3 soles, ó 2.50, que es el precio que la gente paga en la calle. Estoy en contra de grabar en un formato tan caro y escaso en este país, así como gastar en tantos aspectos técnicos que conlleva grabar y exhibir en celuloide. Además, para mi hacer cine forma parte de una serie de actividades para la verdadera democratización de los medios y del arte, por lo que el celuloide sólo me complicaría la vida.

¿Denominar Nuevo Cine Peruano a un grupo de películas de directores jóvenes es una forma de denunciar la existencia de un cine “viejo”?

EQ: No es necesario denunciar la existencia de un cine viejo, porque esa es una realidad bastante evidente para cualquiera que tiene una percepción imparcial. Podría llamar “un cine viejo” al tipo de películas que sólo inspiran a hacer todo lo contrario a lo que han hecho sus realizadores, ante lo cual inevitablemente surgirá el impulso de generar nuevas propuestas estéticas, expresivas y formales; lo que llamo “un nuevo cine”. Sé que no podemos obviar la existencia de películas hechas en el pasado que trascienden y permanecen vigentes, justamente por su propuesta, pero que lamentablemente no tuvieron eco, ni generaron una tradición de innovación, ni mucho menos agruparon a los realizadores en algún movimiento de vanguardia, algo que sucede actualmente con los jóvenes que mencionas.

¿Qué características presenta este cine “viejo”?

EQ: A mi parecer este cine no ha nacido viejo, sino que ha ido envejeciendo por renunciar a renovarse. Se ha convertido en un cine bastante aburrido e insípido, tratando temas profundos de modo superficial, con excesivas teatralizaciones, dramatizaciones que parecen sacadas de algún noticiero local, textos tan evidentes, excesiva explotación de estereotipos, gags, situaciones inverosímiles, predecibles, planos y secuencias reducidos a ser ilustración de guiones; un realismo ingenuo en el que si un personaje golpea la pared, está golpeando la pared, si está comiendo, pues está comiendo, si camina por una calle, pues se están yendo a algún lado. No hay alusión, ni metáforas o significantes, o al menos el realizador lo hace sentir así. El espectador apenas hace el esfuerzo de seguir una serie de acontecimientos que ya han sido aligerados, esperando que se convierta en un producto más comercial, sin alma, sin pasión, sin arte.

¿Sienten la necesidad de constituir los jóvenes cineastas un grupo para ser atendidos?

EQ: No creo que exista la necesidad de reunirnos, sino que es la necesidad lo que no reunió. Cada uno tiene su propio estilo, sus propuestas, su forma de producción, sus elementos que lo caracterizan, sus gustos y su propia visión del cine. Pero lo que nos une es la encarnada necesidad de hacer algo nuevo, aburridos de que el cine peruano sea vituperado por los mismos peruanos. Me atrevería a decir que cada uno quiere hacer de sus películas obras de arte; sin el interés de que estas se masifiquen de la forma convencional, que busquen desesperadamente la vigencia mediática o ganar algún festival. Hacer arte es bastante estimulante, catártico e inspirador y esas sensaciones no se pueden obtener en alguna otra actividad, y mucho menos lo puede satisfacer el dinero. Y creo que eso se transmite en el alma de la película, por eso es que la (poca) gente que la ve, no sale igual de la sala de cine.

EQ: La modalidad de producción de mis películas, los recursos empleados, su presupuesto, todo ello está al alcance de todos. Grabamos con la cámara que tengamos disponible, y por los mínimos requerimientos técnicos que usamos, sólo el casting es un escollo, pero ni tanto; por ejemplo, en “2” necesitaba una actriz y ninguna de mis amigas estaba disponible. Entonces, empecé a buscar por Hi5 (muy de moda hace unos años) a chicas que tengan las características que buscaba para el personaje, y que además tenga bastante afinidad con el arte y cierto tipo de cine. Así conocí a Linda Soto, le propuse formar parte del proyecto, le gustó, nos fuimos escribiendo hasta ganar confianza, filmamos, nos hicimos amigos y hasta tenemos proyectos para grabar más adelante. En “3”, como requería de más personas, pues hice lo mismo, pero esta vez convocando a través de facebook. Algunos los conocía por ser asiduos del cineclub, les hice la invitación y aceptaron, y hasta invitaron a sus amigos. Incluso, hubo gente que se ofreció voluntariamente porque les había gustado mucho mis películas anteriores.

Asumiendo que haces películas para hacer masiva tu impresión del mundo y reconociendo que el circuito alternativo en el que te mueves goza de poca difusión y rebote. ¿De qué manera pretendes difundir tu trabajo en pos de llegar a más público?

Terminando de grabar “4” (a más tardar a fines de octubre de este año) voy a mover ese paquete de películas por los mercados alternativos; Polvos Azules, Mesa redonda, El Hueco, etc. También está tratar de colocarlos en el extranjero, a través de algunos contactos cinéfilos. De igual modo, con Jim Marcelo, mi compañero de Cinestesia, tenemos un proyecto desde hace bastante tiempo; llevar las películas a colegios, institutos, locales comunales, y lugares públicos que simplemente tengan un proyector, equipo de sonido y lugar donde se siente la gente. Adicionalmente, las películas estarán en el blog de Cinestesia, donde la gente las podrá descargar sin costo. La razón por la que espero hasta octubre es porque estoy mejorando la presentación de los DVD, así como tratando de limpiar el audio, sobre todo de “1”, para que la gente no tenga problemas al verla en sus casas.

¿Algo qué decir acerca de CONACINE?

Tú puedes darle plata a alguien para que haga una película, teniendo como criterio principal la “factibilidad del proyecto”. Y eso, ¿Qué significa? Al parecer sólo financiar películas que tengan el respaldo de personas y productoras de “experiencia” que te aseguren que el proyecto se va realizar sin inconvenientes. Entonces ya no hablamos de la finalidad del cine, ni del arte, sino sólo del producto. Si la película no funciona, no se devuelve la plata ¿o sí?, entonces ¿porqué ese criterio prima por encima de consideraciones, digamos, más artísticas?. Considerando que las películas que se arriesgan más son las que promueven más valores cinematográficos y artísticos, entonces, premiar la “factibilidad” ya no tiene mucho sentido. Necesitamos un instituto del cine, que no sólo premie proyectos con un determinado perfil (bastante discutible, por cierto) y uno que otro curso, sino que se preocupe del principal capital del arte; la creatividad. Si se sigue manteniendo una posición conservadora, sin arriesgarse a propuestas más experimentales, así como fomentar en los realizadores la investigación tanto formal como estética, y la educación audiovisual, principalmente en la población, pues no creo que se avance mucho. No considero que los logros personales de Claudia Llosa, Héctor Gálvez, los hermanos Vega, sean indicador que vamos por buen camino, sino que reafirma mi impresión de que sólo se puede lograr algo importante si haces lo contrario a lo que se ha hecho realizadores “experimentados”, principalmente con el apoyo de CONACINE.

ESTRENO DE "3" Y CONVERSATORIO "LA NECESIDAD DE UN NUEVO CINE PERUANO" EN LA UTP

2010-06-26T17:12:00.000-07:00

Lo que leerán -si es que lo hacen- a continuación es una entrada publicada en el blog de nuestros nunca bien ponderados amigos de Cinestesia Productions: http://cinestesiaperu.blogspot.com/. La entrada versa sobre "3" y el conversatorio que tendrá lugar luego de su estreno. Lo reproducimos para que tenga difusión... Ahí les va:

El estreno de la tercera película de Cinestesia, "3", se ha reprogramado para el miércoles 07 de julio de 2010, a las 7:30 p.m. en el auditorio principal "Angélica Gallegos Escobedo" de la Universidad Tecnológica del Perú (Av. Petit Thouars 116, Lima). Y como estaba planeado, al finalizar la proyección se realizará el conversatorio "LA NECESIDAD DE UN NUEVO CINE EN EL PERÚ", contando con la presencia del crítico de cine Mario Castro Cobos, el director de cine Juan Daniel Fernández y el colectivo Cinestesia.

El ingreso es libre.

Les dejamos con la información de la película:

Título original: “3”
Dirección: Eduardo Quispe Alarcón y Jim Marcelo
Duración: 68 minutos
Año de producción: 2010
Producción: Cinestesia producciones, con apoyo de Proyecto Lado B
Edición: Jim Marcelo Santiago, Eduardo Quispe Alarcón
Reparto: Karla Mallma, Giulianna Mallma, Heidi Quinto, Israel Figueroa, Eduardo Quispe, Hugo Palomino, Jackeline Castillo, Miguel Vargas, Karin Paz, Claudia Crespo.
Sinopsis:
Una ciudad, un parque, un momento cualquiera. La película retrata a un grupo de jóvenes limeños, quienes dialogan sobre sus vidas, sus intereses, logros, desencantos, decepciones, la cotidianidad, la intimidad de cada uno de ellos; mostrando mundos apartados por las bancas y veredas, pero relacionadas por el espacio-tiempo del parque, acercándonos a dar una mirada microscópica de una realidad generacional, que los protagonistas no terminan de entenderla y de adaptarse. La película oscila entre la ficción naturalista y el documental. Fue grabada de una sola toma secuencia.

Anécdotas de la película:

- La producción comenzó a inicios de febrero de 2010 y estaba planificada terminar de grabarse a finales de marzo. Finalmente la grabación terminó en junio de 2010.

- Las razones de la demora fueron diversas, curiosas y algunas bastante penosas. Hubieron muchas dificultades para la coordinación con el reparto, ya que todos trabajaban de forma voluntaria, y tenía que encontrarse un horario que coincida con el de todos. Iniciadas la reuniones de coordinación, se iban organizando el nivel y modalidad de participación de cada uno de los miembros del equipo, y algunos miembros iníciales se fueron retirando del proyecto por diversos asuntos ajenos a la película. Se requería un mínimo de 12 personas para continuar y se tuvo que reclutar de nuevo.

- Otra razón fue un problema de salud de Eduardo Quispe, una colitis ulcerativa que lo llevó al quirófano. Se estuvieron postergando los ensayos y las reuniones durante las semanas previas y posteriores a su intervención. El elenco nuevamente se redujo.

- De igual forma, parte del elenco tuvo problemas de salud, entre resfríos e infecciones, que retrasaron la grabación.

- La grabación se tuvo que repetir en 3 ocasiones hasta conseguir el resultado esperado.

- Al terminar la segunda grabación, todo el equipo fue a celebrar a una pizzería cercana a la locación. Para registrar ese momento encendimos la cámara y grabamos, sin recordar que habíamos retrocedido la cinta para revisar algunas tomas. Por ello se tuvo que realizar la tercera y definitiva grabación.

- Dedicamos la película a la madre de Miguel Vargas, quien falleció dos semanas antes de terminar la grabación. Asimismo, saludamos que Miguel haya continuado apoyando el proyecto, a pesar del difícil momento que atravesaba.

Eduardo Quispe habla sobre la película:

“A inicios de este año, estuve realizando una lista de las que a mi entender habían sido las películas más trascendentales de la década. Encabezaba esa lista “El arca rusa” de Alexandr Sukurov. La razón de esa elección era que por fin una película había prescindido de la edición y el montaje tradicional, que viene a ser el proceso donde la película termina siendo lo que más o menos vemos en pantalla. Eso no era solo una afrenta al cine convencional, cuyo principal atractivo se basa en que las reacciones que consigue a través del ritmo del montaje (muy vinculado al video clip y los pirotécnicos productos televisivos al estilo Jerry Bruckheimer), sino también significa un compromiso con la idea generadora de la película, sin retoques, sin efectos post. Sé que la película no es el mejor ejemplo de ello, pero me trae a mente un montón de posibilidades.

Decidí no terminar la lista, pero si comenzar a escribir un borrador sobre lo que podría ser “3”, una película sin soltar el botón de REC durante más de una hora.

Sé también que hay muchas películas grabadas de ese modo o con esa premisa, desde la Soga, del maestro Hitchcock, la irregular Timecode, de Mike Figgis, Tiempo real del mejicano Fabrizio Prada, “La Casa muda” película de terror uruguaya recientemente estrenada en Cannes, entre otros títulos que ya exploraron en esas posibilidades, que en mi caso no me servían de referente. Adicionalmente, no quería que sea una película de un solo plano secuencia, por eso decidimos, con Jim hacer una introducción que le saque la lengua a esa etiqueta.

Queremos volver a explorar la complejidad de las relaciones en estos tiempos de cambios acelerados, de mediatización, desconfianza y aislamiento. Ahora nos extendemos a las relaciones familiares, amicales, entre desconocidos, y entre personas ausentes, todo ello en un microcosmos que es el parque. Si es difícil hacer una película de una sola toma secuencia, mucho más difícil el recrear un momento cualquiera, sin que haya actuaciones demasiado teatralizadas o donde el texto le robe espontaneidad a los diálogos, con situaciones de forzado dramatismo, cómicas o de acción vertiginosa.

HICIMOS "3"

2010-06-12T21:12:00.000-07:00

Volver a las preguntas. ¿Existe un nuevo cine peruano? ¿Existía una industria cinematografica peruana? ¿Existía "cine peruano" como teoría o manifiesto llevados a la pantalla?

El haber participado en la materialización de una idea me hace sentir afortunado. Afortunado de ser parte de algo que quedará en la mente y en el registro cinematográfico peruano (para ser golpeado o acariciado). Sin embargo, cabe la pregunta, incómoda por cierto, de qué tan importante sea esto para quien, como yo, no está imbuido de toda la teoría cinéfila que otros manejan. No pretendo responder a esa interrogante. Supongo que con el tiempo me daré cuenta de qué significó ser parte del equipo de "3", tercer largometraje de Eduardo Quispe, promoción de años juveniles.

Lo que sí quiero decir es lo siguiente: CUALQUIERA PUEDE HACER CINE EN EL PERÚ. Que no suene despectivo, pero eso, ahora, en estos años, es cierto. Como siempre, tenemos que hacer distinciones: cualquiera puede hacer cine el Perú, pero no todos tenemos el valor ni las ideas claras para poder hacerlo. Ese es el mérito de nuestro director y amigo Eduardo. Hizo una película en la que los involucrados -no digo "actores" ni "actrices" porque no lo somos, ni remotamente- desarrollasen ideas propias sobre la base del tema que había preparado. Se arriesgó a que varios invitados pensaran que se trataba de un desvarío, de un sin sentido de un maníaco cinéfilo demasiado pretensioso. Y sin embargo no cesó, no claudicó y siguió adelante. Cualquiera puede hacer cine en el Perú, pero no todos tienen lo que se requiere.

Y qué se requiere: cámara, amigos, dinero -poco, pero necesario-, tiempo -indispensable-, pero sobretodo, una idea, una bandera, fe en lo que uno quiere lograr, un concepto. Prestarse una cámara, juntar a los amigos con los que uno comparte, juntar y aprovechar al máximo el poco tiempo libre que uno tiene después de trabajar -como en mi caso- casi 10 horas al día, invertir los pocos soles restantes del sueldo y las cuentas a pagar en materiales para la grabación. Pero sobretodo, y en primer lugar, una idea que valga la pena realizar teniendo en cuenta lo visto, lo leído, lo observado, lo escuchado. "3", es una visión particular sobre Lima en general. "3" es la materialización de discursos individuales en búsqueda de una verdad general para entender nuestra sociedad. "3" es un manifiesto. Historias distintas, personales, unidas por un espacio común que está retrocediendo poco a poco a favor de la inpersonalidad de la vida en el concreto que se edifica a diario en Lima. Tratamos de escapar a la vida que uniformiza y clasifica a todos como anarquistas, racistas, yuppies, etc. Y lo hacemos tratando de asumir nuestro propio camino. Cada uno con sus historias, sus traumas, sus miedos, sus fetiches, pero cada uno con todos compartimos nuestra individualidad. La vida común y corriente -como la mía- no se centra en la búsqueda del amor perfecto o del santo grial. La vida es tal y como es: dura, fea y simple, pero, ahí su belleza, llena de esperanza y de incontables momentos indescifrables para el resto, excepto para el que los vive.

¿Existe un nuevo cine peruano? No lo sé. Pero sé que todos podemos hacer una película de nuestras vidas. Retratar lo que hay en ellas a través de una cámara de video prestada. Podemos contar historias reales. No creo que haya un nuevo cine peruano. Creo simplemente que hay más maneras de hacer cine ahora. Hay más miradas, más conocimiento, más ganas, menos barreras. Pienso que lo que se hizo en el cine peruano anteriormente tiene validez. No pienso mi vida cultural cinematográfica sin haber visto "Alias la gringa", "Sin compasión", "La boca del lobo", "Juliana", "Muerte al amanecer", "Cuentos inmorales" y otras más. Pero sé que el cine, como la cultura en general, no debe ser privilegio de algunos afortunados que pueden y hacen postgrados en cine en el extranjero; por eso sé que afortunadamente cualquiera puede hacer cine en el Perú.

Miky Lado B

LET THE RIGHT ONE IN (CRIATURAS DE LA NOCHE) - SUECIA 2008

2010-04-10T11:32:00.000-07:00

Cuando la realidad puede ser fantástica.

Eli rescata a Oskar de las manos de unos asesinos en miniatura. Su rostro cubierto de sangre son familiares para Oskar, quien recibe la imagen con una alegría inocente, propia del niño que es. Let the right one in es una película sueca del 2008, basada en el libro del mismo nombre que nos cuenta una historia de amor. Porque, en primer lugar y antetodo es eso, una historia de amor en la que los aún no púberes personajes se van descubriendo poco a poco a sí mismos. La magia de la película reside en eso. Pero hay una particularidad, un detalle, porque después de todo nada es perfecto, y eso es lo hermoso de la vida real. Eli es un ser que se alimenta de la sangre de los demás. Es una vampiresa, o por lo menos eso se puede percibir a primera vista. Entonces vamos al primer gran acierto de la película: no nos muestra al vampiro como un ser súper sofisticado, súper sexual y súper aristócrata. Let the right one in nos muestra el día a día, o debería ser la noche a noche, de lo que vendría a ser la vida de los vampiros, si existiesen, en la vida real. No hay maldiciones, no hay cruces, ni cabalgatas, ni solemnidad innecesaria. Lo que se ve es la cruel realidad de aquél que está y va más allá de lo establecido, la miseria del que se sabe diferente al resto. Las imágenes del departamento de Eli muestran así esa realidad. Pero también nos muestra el drama del aislamiento que afecta al ser humano en una etapa crucial de la vida como es la de la niñez. Oskar, un niño de doce años al igual que Eli, es producto de un hogar disfuncional, una familia separada por un divorcio en el que los padres ausentes son extraños en su vida, a pesar de estar presentes en ella. El aprendizaje de la clave morse por parte de los niños ayuda a poder comunicarse de una manera en la que las palabras ya no son suficientes para expresar los sentimientos. Las miradas, los abrazos, los mensajes escritos, son más que las palabras. Inclusive el decir adios es un paso más en el crecimiento de ambos personajes. La película no tiene una puesta en escena apoteósica ni pomposa. Muestra espacios fríos, secos, ajenos y vacíos. En eso radica también su certeza. Muestra la calle como un espacio en el que pueden convivir diferentes especímenes sin necesidad de que se conozcan los unos a los otros, sin necesidad de querer conocerse. Tiene además un desarrollo lineal concreto, sin grandes giros de historia, ni momentos forzados para que el espectador se asombre. Aquí no hay autosacrificios, ni caras bonitas que beben copas con sangre en una gran orgía postmoderna. Lo que hay es una historia real, de búsqueda de identidad y de amor infantil, acaso el más puro y desprendido de todos. Eli y Oskar se encontraron y el amor crecerá. Responden cada vez que se llaman. Se encuentran cada vez que se responden. La blancura fría, seca y hermosa de la nieve los rodea, dándole un aura mágica a sus encuentros. Ambos sienten por primera vez algo que nunca sintieron, ni Oskar con su docena de años, ni Eli con sus cientos de años. La película es una de las mejores que he visto últimamente. Es una película de vampiros, pero a la vez es una historia real, mínima e íntimista. El final es sólo el inicio de una aventura que ambos emprendieron en el inicio, en el momento de mirarse a los ojos. Ellos son la bella materialización de que la frase que dice "que fuera de este mundo nos vamos a encontrar de nuevo".

Miky Lado B

RADIO LADO B

2010-03-29T21:20:00.000-07:00

RADIO LADO B es una iniciativa, un producto que forma parte de PROYECTO LADO B. RADIO LADO B es una radio por internet que difunde música que todo el mundo escucha, música que a todos nos gusta, pero que casi nunca escuchamos en las radios FM del Perú. RADIO LADO B difunde la otra cara la música. Por eso nuestros DJ's y nuestos programas tienen una tendencia hacia lo no comercial:

Esta es la dirección de la radio:

http://proyectoladobradio.listen2myradio.com/

Los días de transmisión son:

- Lunes, de 8 pm a 10 pm - Cositas fuera de Lugar: Lo mejor del Lado B del rock en español, con DJ Lunatika.

- Lunes y Miércoles, a partir de las 10:30 pm - Las noches del Náufrago: Lo mejor del indie, con DJ Blake.

- Martes, de 1 pm a 2:30 pm - Reload: Lo mejor del new wave, electro, punk, indie y más, con DJ Miky Ramone.

- Miércoles, de 4 pm a 6 pm - Sólo ruido: Lo mejor del rock clasico, con DJ Pacheco.

- Jueves, de 12 m a 2 pm - Oídos Vírgenes: Lo mejor de los 90's y 2000's, con DJ Siamese.

- Viernes - Steel: La furia y esencia del hard rock y el metal, con DJ Venom

- Domingos, de 7 pm a 9 pm - Radio mágica y misteriosa: jazz, blues, rock, funk, salsa, latinjazz, etc. , con DJ Anónimo

Así que ya sabes, únete a la otra cara de la música, entra en el lado oscuro del sonido con RADIO LADO B.

XXXIII Salón Nacional de Grabado ICPNA

2010-03-15T18:26:00.000-07:00

La Bienal Internacional de Grabado es un encuentro dedicado principalmente a la promoción del grabado contemporáneo local, con la participación de artistas de otras nacionalidades que contribuyan con la revisión histórica e innovación de esta disciplina.

Como parte de esta bienal, el 18 de marzo, a las 7:00 p.m., el Icpna premiará, en su sede de Lima, a los ganadores del XXXIII Salón Nacional de Grabado. El ganador, por sus obras “Outsider I, II y III”, es José Antonio Núñez Landa. El segundo premio es para Ana Sofía Zapata Ingunza por las obras “La nostalgia de Jorge” y “Jorge” y el tercero para Zoila Reyes Pineda por “Anónimo”.

Otras actividades, exposiciones y conferencias en:

http://www.facebook.com/event.php?eid=332806533268&index=1

QUEENS OF NOISE - Una mirada a las Power Girls del Rock and Roll

2010-03-12T05:35:00.000-08:00

El siguiente artículo, publicado el 6 de noviembre del 2008 en el blog BLOCH JONES, fue censurado en el blog EL ESPEJO DE CLIO. Miopía intelectual que le dicen)

“With a pinch of rock and dose and roll,
I can warm you up if you get too cold
I can bring you up when you’re going down
I can smash your head all over this town
You gave me the answer
Now I got the answer, oh yeah
Cause we’re the queens of noise
Come and get it boys
Queens of noise
Not just one of your toys
Queens of noise”
The Runaways.

Luego de haber bebido en exceso, como era su costumbre, John enrumbó hacia el Rainbow, el local de rock más famoso de Los ángeles. En medio del éxtasis alcohólico, supo que no se encontraba en el lugar que él quería estar, pero tenía que soportarlo todo por esa interminable fiesta que significaba ser integrante de una de las bandas más grandiosas de rock, de todos los tiempos. Al llegar, hizo gala de su terrible carácter, al irrespetar, con la mirada, a todos, esperando obviamente, intimidar los huéspedes del lugar, porque en el fondo, John, quería estar solo. Es así que al ver a esa mujer sangrando, retorciéndose por el golpe que él acababa de darle (fémina que, tal vez, momentos antes, había decidido seducirlo, a través de una sonrisa y esperar la reacción del baterista, claro esta la reacción que esperaba era la de un hombre al ver una mujer dispuesta a divertirse sin inhibiciones, la reacción que tenían los hombres al verla, la reacción que nunca llegó y una sonrisa que desaparecía ), John pensaba en lo difícil que era ser una estrella, ya que él hubiera querido un castigo, un desden, o simplemente que alguien le devuelva el golpe, pero no, él era John Bonham y su banda Led Zeppelín, así que este incidente, que merecería la condena social, solo se convertiría, en lo que algunos obtusos cronistas denominarían una sabrosa anécdota. Pero no se equivoquen, John era cualquier cosa menos una mala persona, es más, los que conocieron a “Bonzo” en vida, cuentan que era la persona más agradable del mundo, claro esta, cuando estaba sobrio, porque luego de unas botellas de Jack Daniels, se convertía en el tipo más violento y peligroso que se haya visto, pero eso es otra historia. Lo importante que deseo resaltar aquí, es el hecho de que tras este incidente, uno de los muchos que cuenta la historia subterránea de Zeppelín, develan, entre otras cosas, misoginia. Donde el rock, era considerado netamente masculino, es decir, de hombres con aptitud y actitud. Un espacio no reservado para féminas, tanto de apariencia como de carácter. Los críticos de entonces, reconocían en la música de Zeppelín un clima netamente masculino. El rock siempre se ha caracterizado por ser un espacio donde los hombres se desvuelven, digamos, con naturalidad. La pregunta cae de por si, ¿y las mujeres donde están? Y las mujeres siempre estuvieron. Los cambios sociales que se dan en el mundo post guerra, permitirán dar presencia a la mujer como integrante con igualdad de condiciones en la sociedad. Es así que en el plano cultural, manifestaciones como el rock serán utilizados como un medio de expresión social. A continuación veamos dos casos particulares.

THE RUNAWAYS
Si bien es cierto que la presencia de la mujer se dio desde los inicios del rock (por ejemplo, The Chantels, The Shirelles, Wanda Jackson, The Ronnettes, The Supremes, the Shangri-la’s), con Janis Joplin como su principal representante, no será hasta la década del 70 en que surjan en un espacio netamente masculino, lo cual es relevante, en tanto se desarrolló en un espacio no-femenino, donde una mujer puede adquirir importancia y una condición de igualdad en torno a la música.

A mediados de la década de los 70s irrumpe, en la escena musical norteamericana del rock, 5 jóvenes que se hacían llamar The Runaways.

The Runaways eran: Cherie Currie (vocales), Joan Jett (guitarras), Lita Ford (guitarras), Jackie Fox (bajo) y Sandy West (batería.) Editan su primer disco titulado The Runaways en el año de 1976. De esta producción se desprenden canciones como cherry bomb, you drive me wild, is it day or night, American nights. En el año de 1977, editan su segundo disco Queens of Noise, con canciones como California paradise, I love playin’ with fire, neon angels on the road to ruin, born to be bad, queens of noise. El éxito cosechado con estos dos discos les permitió emprender un tour a Japón, donde el grupo alcanzo éxito y fama. La gira por Japón quedo registrado en el álbum en vivo Live in Japan (1977.) Una vez concluida la gira, tanto Cherie como Jackie abandonaron el grupo.

Reagrupadas como un cuarteto (donde Joan compartía las vocales con Lita, e integrando a Vicki Blue en el bajo), las Runaways editan Waiting for the Night (1978), álbum que, a pesar de ser un buen trabajo, alcanzo poca trascendencia. Ese mismo año lanzan el álbum And Now….The Runaways. En el año de 1979, deciden dar por terminada su carrera, entre otras razones por el poco éxito que alcanzaron sus últimas producciones, así como por desavenencias económicas con su productor musical kim fowley.
Durante su último año de existencia, antes de su separación definitiva, Vicki fue reemplazada por Laurie Mc Allister.

A pesar de la leyenda negra que rodea a las Runaways (se les acuso de ser un grupo pre- fabricado, aduciendo que eran demasiado bonitas para hacer rock, en especial Cherie; además, de ser parte de una gran orgía en la que el co-productor, scott anderson, mantenía relaciones sexuales con las integrantes, en donde solo Jackie sale bien librada), es indudable que fueron parte un movimiento que marco una pauta para el desarrollo del rock en el futuro. El grupo es catalogado punk, por haber formado parte coyunturalmente de este movimiento. Sin embargo, el sonido es más cercano a bandas como Rolling Stones, Kiss, Aerosmith, así como bandas glam como T-Rex, Susy Quatro, con su cuota de garage rock al estilo de los New York Dolls. Menospreciadas por la historia del rock, las Runaways representaron un espacio importante en el devenir de la música popular, así como demostraron, en los 70s, que chicas podían hacer rock al mismo nivel que bandas como Kiss o Aerosmith (las bandas de hard rock mas importantes de la escena norteamericana.), así lo puede comprobar cualquiera que escuche canciones como cherry bomb, blackmail, neon angels on the road to ruin, dont go away o queens of noise.

GIRLSCHOOL
A fines de los años 70s, en Inglaterra, se gesta un movimiento musical denominado New Wafe Of British Heavy Metal (N.W.O.B.H.M.), influenciados por el sonido de bandas como Black Sabbath, Deep Purple, Judas Priest, Motorhead, en relación con la coyuntura de la época (crisis económica, endurecimiento de la política social con el gobierno de Margaret Thatcher), así como en contraposición al movimiento denominado Punk. Aunque cabe resaltar que las diferencias, con el punk, son mas que nada musicales, porque los dos movimientos son expresiones de las clases medias trabajadoras inglesas, a tal punto que, el movimiento al que hago referencia, se le denominó Heavy Metal Working Class (heavy metal de la clase trabajadora.) Las bandas representativas del movimiento fueron Iron Maiden, Deff Lepprad, Saxon, Angel Witch, Diamond Head, Venom, Samson, Tank, Blitzkrieg, Satan, Battleaxe, Avenger. Entre estas bandas destacó una, por la particularidad de ser una banda íntegramente femenina: Girlschool. Girschool estuvo integrada por Kelly Johnson (vocales y guitarras), Kim mc Auliffe (guitarras), Enid Williams (bajo), Denise Dufort (batería.) con esta formación editan sus dos primeros L.Ps: Demolition de 1980 y Run and Hit del 81, además de grabar un E.P en el año de 1981 junto a Motorhead (banda consagrada y exitosa en el circuito del hard rock y heavy metal anglosajón, que ayudó a la consolidación de la carrera de las Girlschool), titulado: St. Valentine Day Massacre. Estas grabaciones, van ser consideradas, con el transcurrir del tiempo, clásicos del heavy metal y del rock.

Luego de esta etapa, Enid williams se retira.

Con Gil Weston en el bajo, las Girlschool editan Screaming Blue Murder (1982) y Play Dirty (1983.) Debido a lo poco auspicioso de estos discos y a un desgaste en la interna del grupo, se produce un rompimiento, con lo cual Kelly deja al grupo, cerrando el ciclo mas representativo de las Girlschool (Kim y Denise, siguieron con la banda pero era evidente que del sonido, de las Girlschool originales, solo quedaba la marca comercial). Girlschool, a diferencia de las Runaways, fue un grupo menos vistoso (la agresiva mirada de Kelly contrasta con la gracia de Cherie, por ejemplo) y exitoso, pero con una calidad similar o mejor. En un espacio netamente masculino (tanto los artistas como el publico receptor), las Girlschool demostraron, musicalmente, estar a la altura de cualquier banda de la N.W.OB.H.M.

LAS CHICAS SOLO QUIEREN ROCK
Las mujeres siempre han tenido protagonismo en el plano histórico cultural. En lo particular, siempre me fascinaron féminas tan particulares como Valerie Solanas, la que conocí a través de la película I shot Andy Warhol, donde se trata la historia de Valerie, mujer de una vida, digamos, polémica, autora de “Scum”, manifiesto anti- machista, que con el tiempo seria considerado revolucionario por el movimiento feminista; Audrey Hepburn y ese encanto que solo Audrey poseía, muy bien complementado con su destacadas dotes como actriz (actrices de las que ya no existen, lamentablemente se extinguieron.); Silvia Plath, que ejerció plenamente su libertad a través de la muerte; o George Sand y su saludable costumbre de ir contra los códigos sociales de su época, esto solo por mencionar algunas. Ahora, en la historia del rock las mujeres han establecido un espacio de desarrollo en una escena fundamentalmente de dominio masculino. Las Runaways se ubicaron, en su contexto, entre los grupos más importantes del hard rock americano, junto a Kiss, Aerosmith y los Ramones. Mientras que las Girlschool obtuvieron reconocimiento en un movimiento y una escena donde la presencia de la mujer era un factor por demás particular e inusual.

Para concluir, la mujer como actor social de la historia es un hecho irrefutable, pero menospreciado y en algunos casos obviado, a través del tiempo, por la historia. Es por este motivo que las investigaciones dirigidas hacia el estudio de la mujer y su papel en la sociedad son importantes, siempre y cuando esto no se convierta en un sesgo ideológico, concibiendo la historia de manera unidimensional, lo cual generaría un circulo vicioso de ausencias y olvidos.

Luis Enriquez

Proyecto Lado B

Ser mujer

2010-03-08T17:26:00.000-08:00

Me preguntaba porque hoy celebramos el día de la mujer, la verdad no estaba enterada y busque información y encontré que el día de la mujer cumple 100 años hoy… que se inicio gracias a la propuesta de Clara Zetkin, dirigente comunista alemana, de Celebrar el Día Internacional de Mujeres Trabajadoras en la Conferencia Internacional de Mujeres Socialistas, las 100 dirigentes que asistieron a la conferencia aprobaron la propuesta, al año siguiente se celebro por primera vez el 19 de Marzo en Alemania, Austria, Dinamarca y Suiza, con mítines a los que asistieron más de un millón de personas, que exigieron para las mujeres el derecho de voto y el de ocupar cargos públicos, el derecho al trabajo, a la formación profesional y a la no discriminación laboral. La fecha del 8 de marzo quedó definitivamente fijada en 1917. Ese día (23 de febrero en el calendario ruso de la época), miles de trabajadoras rusas se pusieron en huelga y manifestaron en San Petersburgo pidiendo pan y paz. Las manifestaciones desencadenaron el proceso revolucionario que cuatro días después provocó la caída del Zar de Rusia y, en octubre de 1917, consagró el triunfo de los comunistas. La revolución rusa dio un gran impulso a la lucha de las mujeres y a la conmemoración de la jornada del 8 de marzo. Y así nació el día de la mujer luchando por hacer valer nuestros derechos e igualdades sociales.

Bueno y aquí van algunos pensamientos míos… lo que me molesta, lo que me gusta y lo que quisiera para nosotras. Tener un día solo para nosotras no se hace muy especial si no sabemos porque se celebra, por eso era importante recalcar la historia, el hecho de ser mujer ya significa mucho, somos madres damos vida, sin nosotras los hombres no podrían nacer y eso ya es muy importante para nuestra sociedad. Somos todo lo que es un hombre lo único que nos diferencia es el sexo. Pero aun así nosotras tengamos un día para celebrar el hecho de ser mujer, hasta ahora no se nos considera con igualdad ante la sociedad, somos maltratadas, acosadas e insultadas solo por ser mujeres, nos sentimos con miedo al caminar solas por la calle no solo porque nos pueden robar, sino que en cualquier momento puede venir un enfermo y meternos la mano o decirnos cochinadas. El Perú es machista, siempre los hombres deben ser los que mantengan a las mujeres y si una es mejor que el hombre osea tiene un mejor trabajo y gana más plata, él la deja y se va con otra, una que pueda “dominar”, ¿por qué es así? Porque los hombres buscan a ese tipo de mujeres y porque las mujeres se tienen que dejar dominar, ¿por miedo a no poder sobrellevar una vida sola? ¿Por los hijos? Depende de la idea de salir adelante por nuestro propio esfuerzo, respectándonos como seres humanos que somos y como comienza todo eso: simplemente queriéndonos a nosotras mismas! eso necesitan las mujeres peruanas bueno no todas no? conozco muchas mujeres exitosas, es más el nombre del Perú esta en alto justamente por las mujeres Kina Malpartida, Las chicas del Voley y ahora Claudia Llosa y Magaly Solier con la nominación al oscar. Pero las mujeres más pobres de nuestro Perú son las más afectadas, y yo siempre reniego de ellas porque ser pobre no significa ser peor persona obviamente la situación cambia, entonces para que existe el trabajo, se supone que es para salir adelante por nuestros propios medios y no esperar que alguien más nos ayude. Esta también nuestro derecho de maternidad ¿porque las mujeres pobres son las que tienen más hijos? porque no decidir cuantos tener y porque no cuidarse con algún método anticonceptivo para no tener mas hijos… por machismo, por falta de información, porque ser pobre no significa no tener la capacidad de decidir. ¿Porque somos menos respetadas, insultadas violadas y asesinadas? Porque somos el sexo débil, las mantenidas, las calabazas, ¡no! Yo por ser mujer, me siento mucho más inteligente que muchos hombres, mucho más fuerte, a ver que ellos den a luz, que a ellos les de la regla todos los meses… que sientan los dolores menstruales, que ellos soporten los insultos en la calle simplemente por ponernos una falda corta… no lo aceptarían y se quejarían todo el día de dolor y serían capaces de pelearse con todo el mundo. Nosotras somos el sexo fuerte, el sexo que trabaja no solo en la calle, en lo oficina o en la empresa, sino también en la casa. Somos las que más trabajamos, somos fuertes inteligentes y pacientes, solidarias, comprensivas, locas, amantes y todo lo demás tambien, por todo eso y por ser luchadoras debemos celebrar este día. Feliz día a la mujer más importante de mi vida: mi Mamá. Feliz día hermana. Feliz día tías. Feliz día Abuelas. Feliz día amigas y enemigas. Feliz día desconocidas. Feliz día mujer.

Lunatika Lado B

Cine Peruano, Cine Punk, Cine con Punche!

2010-02-04T08:11:00.000-08:00

El cine en el Perú ¿depende del CONACINE? ¿Verdadero o falso? Falso. El cine en el Perú ¿depende de la colaboración internacional? Falso. El cine en el Perú, como todo en la vida ¿depende de la renovación, de la sustitución de la sangre vieja por la nueva? Verdadero. En las últimas semanas se ha venido debatiendo * sobre la posibilidad de impulsar un cine peruano ajeno a los caprichos y favoritismos de las autoridades del CONACINE. Se debate sobre la validez de los conceptos y los estándares que se utilizan en el circuito “oficial” de la crítica y la realización para valorar cuál obra es buena y cuál merece quemarse. Y se debate finalmente sobre la posibilidad que tienen los jóvenes directores de cine de seguir en la lucha constante que es la de hacer arte en el Perú.

¿Existe la necesidad de contar con muchos recursos para hacer cine en el Perú? ¿O podemos tomar una cámara cualquiera y, con mucha adrenalina y creatividad, tocar el tema que se nos venga en gana? ¿Es necesario tener un apellido como Garland o De Montreuil para captar recursos y tener acceso a un “circuito” que nos permita mostrar nuestras producciones? Pues creo que no. Creo firmemente que no. La tecnología que alcanzó a todos, el bajo costo de los materiales con los que se puede trabajar –razón para la primera razón-, el acceso relativamente fácil a la filmografía mundial que nos da la siempre vapuleada -y constantemente consumida- piratería polvoazulera, son elementos que nos pueden ayudar en la elaboración de una película. Pero todos esos elementos son nulos, inservibles, sino existe la materia prima: la imaginación y las ganas de la gente que quiere hacer un cine distinto.

El año pasado hubo varias muestras de cine independiente en Lima. Cine hecho con buenas ideas y con poco presupuesto. Cine que se sobrepone a las limitaciones que impone nuestra siempre en crisis economía, y la siempre en crisis capacidad de las autoridades que regulan nuestro ámbito de acción. Cine hecho a base de esfuerzos personales –tanto financieros como físicos- y que apela a la comunidad, a la confraternidad, que existe entre aquellas personas que tienen todas las ganas de mostrar al mundo que se puede hacer algo más con el cine peruano. Cine que trata de mostrar otra manera de ver el mundo, otra manera de entenderlo, de vivirlo y sufrirlo, otra manera de relatar lo que vemos en el violento diario de nuestra ciudad, y, por lo tanto, otra manera de filmarlo. Cine con valor, cine con energía, con fuerza. Cine con punche.

Nuestra experiencia es corta. Se basa en haber apoyado la realización de una 1era Muestra de Cine Limeño, desarrollada con el apoyo de la UTP e impulsada por el director del cineclub Ojos Abiertos, un joven director de cine, además de cinéfilo empedernido e inmisericorde como lo es Eduardo Quispe. En ella se planteó la necesidad de acercar más al nuevo cine peruano con el público. Acercar a un nuevo público las propuestas –nuevas e independientes- de jóvenes directores como Eduardo Quispe (“1” y “2”), Rafael Arévalo (“Alienados”) y Fernando Montenegro (“Encierro”). Rescato una frase de Eduardo Quispe al finalizar la proyección de “1” que dice más o menos así: “Si aunque sea una persona ve mi película y luego coge una cámara y comienza a grabar lo que sea, me sentiré contento”. Ese debe ser el objetivo de hacer cine en el Perú. Hacer que aunque sea uno de los asistentes a una película peruana salga con esa intención y la idea de decir “Yo también puedo”.

Las dificultades existen, pero las soluciones también.

¿Falta de presupuesto? Los directores, actores, colaboradores, amigos, enamorad@s, todos aportan con algo. Un dato adicional: ¡Fernando Montenegro hizo “Encierro” con 200 soles!

¿Falta de materiales? Hace unos años un grupo de jóvenes directores hizo una película con cámaras de celulares unidas por una estructura de metal, ahora las cámaras fotográficas manejan formatos de video de calidad suficiente como para filmar.

¿Falta de referencias cinematográficas que no sean los estándares comerciales de nuestra cartelera? Ahí están los cineclubs como el CAFAE, CCE, El Cinematógrafo de Barranco, Ojos Abiertos, Córnea, La Ventana Indiscreta, Cayetano Heredia, y muchos más, además de Polvos Azules y la Internet.

¿Falta de material humano? ¿Actores o actrices? Pues existe mucha calidad en los no muy conocidos talleres de teatros universitarios y de las propias comunidades. Y siempre están los amigos a los cuales poder sorprender o invitar a participar, como lo contó Eduardo Quispe al realizar “2”.

¿Falta de espacios para la proyección de las películas? Nuevamente, existen los cineclubs como el del CAFAE, en donde los viernes se proyectan nuevas producciones peruanas; el cineclub Ojos Abiertos de la UTP, donde el año pasado se realizó una 1era Muestra de Cine Limeño; o el cineclub Cayetano Heredia, donde se realizó el ciclo: ¿Un Nuevo Cine Peruano… ya existe?

¿Falta de publicidad? El mundo Blog es una herramienta poderosa en la que se puede difundir la producción independiente. La cinefilia no es patriota, La tetona de Fellini, Revista Godard!, Cinestesia Ensabap, Cinencuentro, The Lord of the Polvos, El Fisgón, Páginas del diario de Satán, etc. son páginas reconocidas por su calidad; y existen otras de gente nueva con todas las ganas de apoyar en esta lucha como Proyecto Lado B y Pasaje18.

En resumen, la falta de apoyo “oficial” o “institucional” no debería ser -y de hecho nunca lo ha sido- un obstáculo para que nuevos talentos –en el cine en este caso- se muestren y den al resto de la sociedad una lección de cómo hacer cine sin concesiones y con mucho, pero mucho punche. Los espacios hay que encontrarlos. Los tiempos tenemos que hacerlos. Los recursos buscarlos y tomarlos. Pero, ante todo, principalmente, esencialmente y sobretodo hay que tener imaginación. La frase bandera del Punk es precisa para este momento: ¡Hazlo tú mismo!

* La documentación sobre el debate acerca del nuevo cine peruano entra a
http://lacinefilianoespatriota.blogspot.com

Miguel Vargas

Sombreros, Historia y Moda

2010-01-27T08:48:00.001-08:00

Esta exposición, que marca el inicio de programación 2010 en la Galería John Harriman del Centro Cultural del Británico, reúne cerca de 200 sombreros de las colecciones Mocha Graña, Mari Solari, Mod’ Art, María Lucía Carrillo y Ernesto Fernández Montagne. El sombrero ha sido un accesorio presente desde siempre en la moda femenina. Lo que trata de mostrar la exposición es el cambio que tuvo este objeto a partir de la finalización de la segunda guerra mundial.

Desde la segunda mitad de los años 40’s, época de austeridad económica, la moda femenina se vio en decadencia. El único accesorio que marcaba la diferencia era, precisamente, el sombrero. Gracias al sombrero, las mujeres empiezan a gozar de libertad para cambiar diseños y utilizar distintos materiales para su creación. Ya en los años 50’s, con el crecimiento de la economía mundial, comienza lo que se denominó el "New look": la moda cambia, las actrices de cine se vuelven modelos a seguir y el glamour alcanza a la moda gracias a los diseños de Christian Dior, que es quien lleva el estandarte de este nuevo estilo. Los accesorios se vuelven importantes y a Lima llegan diseños desde Londres, París y Buenos Aires. Es así que el sombrero se afirma como un accesorio en donde se puede dar rienda suelta a la creatividad, a la mezcla de técnicas, formas, materiales y colores. En la muestra, por ejemplo, podemos ver sombreros de rafia, de vynil, hechos de tejido de plata y hasta usando aves disecadas. Aparecen también las grandes tiendas en Lima, como "La Gioconda" en el Jirón de la Unión, que importaban sombreros del extranjero además de producirlos. Se crearon diversos modelos siguiendo, no solo la influencia de la moda de Londres, Madrid, Buenos Aires y Nueva York, sino también la de pueblos del Perú, cuyos diseños autóctonos sirven de inspiración a los diseñadores hasta el día de hoy.

Hay algo importante que se debió tomar en cuenta en la exposición: el sombrero es, ante todo, un accesorio. Un accesorio que va de acuerdo a la ropa que se utiliza, y si es mostrado como un objeto solitario, alejándolo de su contexto, es un poco difícil encontrarle un sentido a su presencia. Algunos sombreros pueden parecer horribles si no se muestra el resto del contexto: el vestido, los zapatos, las joyas, etc. Es la perspectiva de una mujer que nunca ha utilizado un sombrero, ya que hoy se le da mayor importancia al peinado y a la forma en como uno tiene y maneja el cabello. Pero creo necesario, para poder apreciar mejor el objeto de esta exposición, mostrar también por qué el sombrero es un accesorio, y NO parte importante y vital de la vestimenta en sí. Hay algunos sombreros de la exposición que sí podrían observarse como objetos de arte, ya que presentan formas especiales y estilizadas, uso excepcional de los colores, el brillo, etc., que hacen del sombrero un objeto exuberante. Pero sólo son excepciones.

La exposición está diseñada para hacer creer al visitante que acaba de entrar en una tienda de sombreros. El visitante puede así observar los cambios en los estilos de fabricación de estos accesorios, desde los 40’s hasta los 50’s, y además podrá ver algunos modelos de los últimos años. Es ideal para alguien que está interesado en la moda, o que estudia diseño de modas. No es una exposición irrelevante, ya que en ella se presenta a este accesorio femenino como lo que fue, en una época: un signo distintivo de status social. Este objeto ya es parte de la historia de la moda, y como tal, parte del pasado. Actualmente no es utilizado, y menos en Lima. En algunas provincias del Perú, el sombrero aún es distintivo social y jerárquico, además de accesorio muy importante, ya que se usa en la vestimenta típica de una zona, pero lo es en un contexto costumbrista.

Sombreros, historia y moda es una exposición para verla desde un punto de vista de afición, de gusto, de acercamiento hacia a la moda y los recuerdos. Está mal museografiada, pero como dijeron los guías, es una exposición que gusta a la gente, y, especialmente, a las señoronas de, por ejemplo, Miraflores. ¿Por qué? Porque recuerdan la época de grandeza, esplendor y glamour que existió alguna vez en la Lima que ellas añoran y que ya no es mas la de sus memorias.

Más información:

http://www.centrocultural.britanico.edu.pe/

http://elcomercio.pe/impresa/edicion/2010-01-24/ecmo240110c22/06

Galería John Harriman del Centro Cultural Británico. Jr. Bellavista 531, Miraflores.

Horario: de lunes a sábado de 9 a.m. a 8 p.m. y domingos y feriados de 2 a 8 p.m.

Visitas guiada 3 a 7 p.m.

INGRESO LIBRE

M E T A L L I C A en Lima - 19 de enero 2010

2010-01-23T11:08:00.000-08:00

sobran las palabras!!!!!

I Muestra de Cine Limeño/ 2009

2009-11-13T16:06:00.000-08:00

El Centro Cultural “Alberto Quintanilla” de la Universidad Tecnológica del Perú, con apoyo de Cinestesia Producciones, el colectivo Proyecto Lado B, y los realizadores participantes, presentan la “Ira MUESTRA DE CINE LIMEÑO/2009”, un evento cinematográfico programado para exhibir la producción audiovisual de jóvenes capitalinos.La muestra contiene un conjunto de largometrajes de ficción, que provienen de producciones independientes, autogestionarias y presentando propuestas alejadas de convencionalismos, tomando como escenario el contexto urbano limeño.
Esta es la programación:

JUEVES 12 DE NOVIEMBRE:“1” de Eduardo Quispe (85 min.)Son 3 versiones de una historia, la 3º cita de 2 jóvenes sin suerte en el amor; Ella no puede superar una relación pasada, Él simplemente no ha encontrado a alguien. Ambos quieren dejar atrás sus fracasos y empezar una relación, pero sin conseguirlo a pesar de sus esfuerzos.

JUEVES 19 DE NOVIEMBRE:“Alienados” de Rafael Arévalo (90)Película que trata de un grupo de jóvenes fanáticos de los ovnis, ellos buscan tener un encuentro cercano, cayendo en una histeria colectiva que los hace perder la razón, convenciéndose de que una invasión extraterrestre se está produciendo sin que el resto de la población se percatara del hecho.

JUEVES 26 DE NOVIEMBRE:“Encierro” de Fernando Montenegro (90)Historia de una novelista de misterio, ignorada, quien busca fotografiar a un fantasma real, y utilizar la imagen como portada de su último libro, para de este modo llame la atención de los medios.

JUEVES 03 DE DICIEMBRE:“2”, de Eduardo Quispe Película que ensaya sobre la experiencia de vivir solo en la capital, con sentimientos de desolación y desasosiego, así como con dificultades para relacionarse con los demás; situación que no respeta género, condición social, económica o cultural.

La muestra se llevará a cabo los días jueves 12, 19, 26 de noviembre y jueves 03 de diciembre de 2009, a las 7:30 p.m. en el auditorio “Elisa Toullier de Valcárcel” de la UTP. Después de cada proyección se llevará a cabo un dialogo con los directores. Lugar : Universidad Tecnológica del Perú.Auditorio “Elisa Toullier de Valcárcel”, pabellón “F”, 3º piso.Dirección : Avenida Petit Thouars 116, Lima 1. Día : Todos los jueves desde el 12 de noviembre hasta el 03 de diciembre de 2009.Hora : 7:30 p.m.

CICLO DE CINE - LADO B / CINE y MUSICA

2009-10-04T19:30:00.000-07:00

El cineclub "Ojos abiertos" de la Universidad Tecnológica del Perú, celebrando el V Aniversario de la Dirección de Cultura, y el II del Centro Cultural "Alberto Quintanilla", presenta el ciclo "OCTUBRE: LADO B / CINE Y MÚSICA", dedicado a películas que tienen como eje temático el acercamiento del arte cinematográfico a distintos géneros musicales, como el rock, post punk, soul, jazz y las tendencias digitales (remixes, samples, etc.) a través de particulares biopics, ficciones y documental.

Contando esta vez, con el apoyo del colectivo "Proyecto Lado B", conformado por egresados de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.La cita es todos los jueves de octubre a las 6:00 p.m., en el auditorio "Elissa Toullier de Valcárcel" (pabellón "F" 3º piso, Universidad Tecnológica del Perú - Av. Petit Thouars 116 - Lima). A continuación, les dejamos la Programación.

JUEVES 01 DE OCTUBRE / 6:00 p.m.
24 Hour Party People (2002)
Dirección: Michael Winterbottom / Países: R. Unido, Francia y Holanda. /Duración: 115 min.

La película retrata gráficamente el baile y la música de Manchester desde finales de los 70 hasta principios de los 90 y documenta la vitalidad que convirtió a la ciudad en un lugar de moda en todo el mundo. El film muestra la trepidante y emocionante historia de la discográfica Factory Records, su ascenso y caída, siendo promotora de grupos como Joy Division, New Order y Happy Mondays, y de la conocida discoteca Hacienda.

JUEVES 08 DE OCTUBRE / 6:00 p.m.
Control (2007)
Dirección: Anton Corbijn / País: Reino Unido / Duración: 122 min.

La historia de Ian Curtis, líder del legendario grupo británico Joy Division, basada en la novela "Touching From a Distance" de la viuda de Curtis, Deborah. Los conflictos personales del icono del post-punk; durante el periodo de ascenso y auge de Joy Division, hasta su temprana muerte, a las puertas de comenzar su primera gira por los Estados Unidos, en una melancólica y poética mirada a la genialidad autodestructiva.

JUEVES 15 DE OCTUBRE / 6:00 p.m.
Mo' Better Blues (1990)
Director: Spike Lee / País: EUA. / Duración 112 min.

Bleek es un riguroso trompetista, quien junto a Shadow, un saxofonista, lideran un quinteto de Jazz que toca en un club de los bajos fondos. De pronto Blake se implicado en un sinfín de problemas, entre los cuales está defender al manager del grupo, quien tiene problemas de juego y es golpeado por sus acreedores. Asimismo, debe elegir entre dos mujeres, una maestra de escuela y una cantante, con las que mantiene una relación sentimental paralela, y por si fuera poco, una rivalidad profesional con Shadow amenaza con dividir a la banda.

JUEVES 22 DE OCTUBRE / 6:00 p.m.
The Commitments (1991)
Director: Alan Parker / País: EUA. / Duración 118 min.

Jimmy es un emprendedor joven irlandés que pretende formar y manejar un grupo de "soul" en un barrio pobre de Dublín. ¿Por qué soul? Según Jimmy, el soul es la música del trabajador, que lleva el ritmo del sexo y el mensaje de redención a las clases bajas. Además, independientemente de cuestiones étnicas, Jimmy dice: "Los Irlandeses somos los negros de Europa; los Dublineses somos los negros de Irlanda; y los del Barrio Norte somos los negros de Dublín". Luego de unas simpáticas y graciosas audiciones, Jimmy va completando a los miembros para el grupo.

JUEVES 29 DE OCTUBRE / 6:00 p.m.
Good Copy, Bad Copy (2007)
Dir.: Andreas Johnsen, Ralf Christensen y Henrik Moltke. / País: Dinamarca /Dur.: 62 min.

Un interesante documental sobre los derechos de autor en la era digital y las redes informáticas. El remix, el sample y la facilidad de difusión del entorno digital, fomenta la creatividad y suple las necesidades culturales en determinados contextos, lo que se ve amenazado por las legislaciones privativas tradicionales. Como ejemplos se muestra el trabajo de Girl Talk, un exitoso DJ, Danger Mouse y su "Grey Album", fruto de la remezcla del "White Album" de los Beatles y el "Black Album" de Jay-Z, el cine nigeriano en búsqueda de alternativas para la compensación al autor, desafiando el modelo impuesto por Hollywood, y el "Techno Brega" en Brasil, movimiento que remezcla exitos del pop rock mundial en un formato techno con un modelo de negocio basado no en la venta sino en el éxito de la canción para atraer público a las fiestas.

THE CLASH, WEST WAY TO THE WORLD

2009-09-24T18:54:00.000-07:00

Joe Strummer: "El origen es tal vez instinto, no intelecto". Stones, Hendrix, Cream, Beatles, Yardbirds, Kinks... todo mezclado en el momento y lugar adecuado. Qué obtienes? La única banda que por un tiempo importó. The Clash fue una banda de izquierda? Puede ser. Anarquista? Puede ser también. Who knows? De lo que se puede estar seguro es de que fueron producto de diferentes ambientes. The Clash no fue un grupo de aprendices de músicos llevados al escenario sin Complete Control. Estudiantes de arte sin futuro, no por la falta de calidad, sino por la calidad diferente en sus venas, The Clash se formó para expresar, no para destruir. Mick Jones alguna vez, en otro documental dijo: "La diferencia con los Pistols era que ellos querían destruir todo, nosotros teníamos una visión más positiva de la vida". Joe Strummer again: "Eramos oyentes acérrimos". "La vida era en blanco y negro". Formados en el fragor de la lucha por sobrevivir, The Clash absorvió lo bueno de su entorno y tomó la bandera para luchar musicalmente contra lo malo del mismo entorno, luchar contra "la autoridad que supuestamente estaba basada en la sabiduria, pero que era en realidad un sistema de control que no tenía ninguna sabiduría inherente". La película que nos muestra a los integrantes relatando su propio nacimiento, vida, pasión y muerte. Relatos intercalados por las canciones que los hizo famosos, por videos que documentan momentos cotidianos, pero importantes en la vida de ellos. El documental no trata de analizar lo obvio, justamente porque el Punk era eso, lo obvio, lo directo, la acción. No existe una voz que off que nos relate lo que estamos viendo, como si fuéramos ciegos que ven. Aquí sólo existe The Clash, su música y su historia. Enjoy.

AMERICAN GANGSTER

2009-09-22T18:52:00.000-07:00

Frank Lucas, A.K.A. Denzel Washington: Frío al momento de asesinar, no hay señales de remordimiento en su rostro. No le gusta la atención, la sobreexposición. "¿Dónde está el orgullo de la propiedad?". La muerte de uno se convierte en un circo, en un espectáculo para el resto. No existe el respeto. Sólo el odio y el miedo. Pero a la vez es el modelo del empresario moderno: arriesgado y dispuesto a eliminar la mayor cantidad de costos para obtener mucha ganancia. Cuál es la diferencia con los empresarios legales: el producto. Rusell Crowe: miedoso, no preparado, honesto con su temor al cual quiere vencer. Soledad es lo que impregna la vida al personaje de Crowe. Richie Roberts es alejado de su hijo, pero a la vez es una salida para él. No se ve pero es implícito. Tiene temor a ser honesto, a no caer en las trampas de la desesperación. No pudo pasar de tener nada a tener todo pese a saber que ser corrupto es una poliza de vida. No es Serpico, pero su espíritu puede andar por ahí. Dtve. Truppo, A.K.A. Josh Brolin: su personaje sí vivirá. Corrupto hasta el hueso. Narco con placa, combinación letal. "Más importante que la vida de cualquier hombre, es el orden". Heroína: el vehículo directo a las puertas de San Satán, el neutralizador por excelencia. La heroína fue el negocio de los años setenta para los Frank Lucas y una de las razones por la que los Estados perdieron la guerra de Vietnam. Los lazos familiares son, además de la heroína y la relación que crea entre Lucas, Roberts y Brolin, el otro elemento en común en esta historia. "Lo más importante en un negocio es la honestidad, integridad y trabaj duro. La familia, nunca olviden de dónde venimos. ...O eres alguien o eres nadie". Lazos familiares, heroína, violencia -no mucha, pero sí la necesaria-, tensión... Todo eso puedes encontrar en esta película. Crítica? No la hay, no soy un crítico. Vela tú mism@. La del cierre: “El más escandaloso en la sala es el más débil”.

Declaración de principios

2009-09-22T17:01:00.000-07:00

Proyecto Lado B es un abrazo a tod@s los que, como nosotros, están hartos de lo que las salas de cine ofrecen. Lado B quiere ser un espacio en el que tod@s podamos contarnos y describirnos las sensaciones que nos causan el ver las películas que nos gustan. Ser indiferente a las películas que nos venden no es malo. Lo malo es que la indiferencia sea costumbre para nuestros ojos. Somos lo que vemos, lo que somos, lo que escuchamos... Somos lo que consumimos. Lado B se abre como un espacio para los que gusten de hablar de cine. No somos críticos especializados. No somos cinematógrafos. Sólo somos hinchas de las películas que nos hacen sentir ira, rabia, alegría, pasión, energía. Películas nuestras. Cine diferente. Si sientes que quieres hablar de una película tuya y crees que nadie te va a entender, entonces eres uno de nosotros. Hablanos!

LA NARANJA MECÁNICA

2009-09-19T08:44:00.000-07:00

Un capítulo y mucha sangre oh, my brothers. Esas son las diferencias entre la novela de Anthony Burgess y la adaptación que de esa novela hizo el célebre Stanley Kubrick. Un capítulo y mucha sangre, elementos suficientes para hacer de un esfuerzo loable una corta representación de una obra tan horrendamente contemporánea como la del escritor inglés. Kubrick nos sintetiza, a su manera, el libro del escritor inglés arrancándole el último capítulo de un libro que se divide en veintiún capítulos agrupados en tres partes; el objetivo, según Burgess: darle una atmósfera publicitariamente maldita y comercialmente contracultural, después de todo hay que recordar que estamos en 1971, el comienzo de una década en la que la contracultura va a ser el establishment cultural paradójicamente. La película ofrece una visión a medias, dicho sea de paso, del personaje principal y hacia el personaje principal de la novela: el joven Alexander de Large. Según la novela, Little Alex es un hooligan empedernido que disfruta de la ultraviolence y de la milk-plus que se ingiere para alterar el pensamiento y acelerar la golova y disfrutar de los placeres de la nochy junto a sus droogs. La novela desarrolla de forma desgarradora y violenta la desquiciadamente acelerada vida de un joven rebosante de adrenalina y de una energía vital que, aparentemente, quiere destruir todo; su caída, propiciada por esa misma ansia de autoridad total ejercida sobre la violencia y el despotismo –cualquier similitud con los regímenes totalitarios europeos de los años sesenta es pura coincidencia-; y, finalmente, su redención ante la necesidad de trascender más allá de la realidad que él golpea directamente en el mentón con su oozy y corta avezadamente en la mejilla con su britva y, además, a la que detesta sobremanera por ser la de una sociedad graznhy y bratchny. La película de Kubrick, si bien no traiciona la esencia original de la novela –la violencia y el antisistemismo-, trafica con un conformismo que se infiere nato y que se apoya en la destrucción del alma humana, dejándola ahí, sin opción a ser reformada o salvarla de su propia putrefacción; a los ojos de Kubrick, Alexander de Large sigue siendo el mismo pequeño animal urbano que nos acompaña durante el viaje desde el primer capítulo hasta el capítulo veinte, en el que acaba su adaptación, sin opción a salvación ni redención. A mí me da la impresión de que ambas pudieron haber formado una mejor simbiosis adaptativa, lo cual no significa que Kubrick tenga que regresar de la tumba para ofrecer Appypolly logies a la fanaticada del libro, la adaptación es buena, pero como dije al inicio, es corta. El libro de Burgess es una apelación a la naturaleza misma del ser humano y, sobretodo, de la juventud, la energía vital que quiere cambiar el mundo, aunque para eso tenga que valerse de la ultraviolence y el drencrom en la golova para con sus droogs al ataque tener que ir. ¿Y ahora qué pasa, eh?